O que na época ficou famoso por Caravaggio, Rembrandt, Velazquez e outros artistas barrocos

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

A história da pintura tem muitos séculos, bem como estilos, formas e direções. No entanto, o mais famoso e popular deles foi e continua sendo o barroco. Pintores e criadores dessa época se maravilharam com suas ideias inovadoras, criaram novos rumos e trabalharam em estilos interessantes e únicos. Quem são eles, os melhores representantes desta era no mundo da arte, e o que se sabe sobre eles?

1. Caravaggio

Talvez nunca possamos aprender completamente o segredo das pinturas mais impressionantes da era barroca, mas um olhar sobre a história de Caravaggio revela alguns de seus segredos. Sua vida foi trágica ao ponto da impossibilidade. Ele ficou órfão cedo, tendo perdido a maior parte de sua família aos dez anos durante uma epidemia de peste. E depois de testemunhar a execução brutal de uma jovem nobre em 1599, ele começou a pintar mulheres vingativas cortando cabeças de homens.

Michelangelo se tornou o pintor mais famoso de Roma em 1600 e deu origem ao estilo barroco e também à técnica do claro-escuro. Mas, quando não estava escrevendo, cercava-se de ladrões, garotas de virtude fácil, embriaguez, festas e brigas.

Você não precisa ser um especialista nos símbolos e códigos da arte renascentista para notar a violência nas pinturas de Caravaggio. Ele pode deter o recorde de número de cabeças decepadas, e seu trabalho religioso despertou a ira da Igreja Católica porque ele usou a confusão como modelo para a Virgem Maria.

Caravaggio sabia que era um artista incrível e não hesitou em criticar seus rivais. Seu contemporâneo Giovanni Baglione disse:.

Por volta de 1600, em Roma, a Igreja Católica era a fonte mais importante de patrocínio para artistas como Caravaggio. Ele não hesitou em ultrapassar os limites da arte, mesmo que isso ofendesse os sentimentos da Igreja. Um dos movimentos mais polêmicos do artista foi o uso de modelos das camadas mais pobres da população de Roma, incluindo ladrões, vagabundos e prostitutas.

Em 1601, Michelangelo perdeu a encomenda de criar a imagem da Virgem Maria para a Igreja de Santa Maria della Scala em Roma devido ao facto de ter utilizado o famoso confuso como modelo para a imagem de Nossa Senhora. Mas a pintura, que chocou os católicos em Roma, encontrou aceitação fora da Itália. Mais tarde, foi adquirido pelo rei inglês Carlos I e, em seguida, entrou para a coleção real francesa.

Suas pinturas religiosas ousadas e francas eram altamente desejáveis, mas também significativamente diferentes dos estilos anteriores de retratar santos. Ele desfrutou da crueldade do martírio pintando várias cenas diferentes de crucificação. Alguns não gostaram da maneira como o artista retratou os santos sob a luz natural e humana. Outros consideraram seu trabalho perverso e vulgar.

E quando em 1606 Caravaggio matou um homem, ele foi forçado a fugir de Roma. O papa impôs uma sentença de morte sobre sua cabeça, e Caravaggio morreu quatro anos depois, sem receber o perdão papal.

2. Rembrandt

Rembrandt foi o maior pintor holandês de sua época e uma das figuras mais importantes da arte europeia. Os numerosos autorretratos que pintou ao longo da vida são uma espécie de autobiografia visual.

Ele nasceu em 15 de julho de 1606 em Leiden, filho de um dono de engenho. Em 1621 ele começou seus estudos com um artista local, e em 1624-1625 ele estava em Amsterdã, estudando com Peter Lastman, que havia visitado a Itália e agora apresentava o jovem artista às tendências internacionais.

Ao longo de sua vida, ele procurou por si mesmo, experimentando cada vez novas técnicas e estilos. Sua carreira foi subindo rapidamente, então se transformou em tartaras, deixando para trás uma série de problemas e incômodos, incluindo falência com confisco de propriedade. Mas, apesar da faixa negra da vida, ele continuou a receber ordens. Rembrandt estava interessado em desenho e gravura, bem como pintura, e suas gravuras foram mundialmente famosas durante sua vida.

Ao longo de sua carreira, ele atraiu alunos que também serviram como seus assistentes. Seu trabalho às vezes era muito difícil de distinguir do trabalho do próprio Rembrandt, uma vez que todos o imitavam completamente.

3. Bernini

Bernini dominou o mundo da arte romana do século 17, florescendo sob o patrocínio de seus cardeais e papas e desafiando as tradições artísticas modernas. Seus projetos escultóricos e arquitetônicos revelam interpretações inovadoras de enredos, o uso de formas e a combinação de mídias. Abrindo o caminho para futuros artistas, ele foi fundamental na criação de um vocabulário dramático e eloqüente do estilo barroco.

Uma de suas obras-primas, Êxtase de Santa Teresa (feito de mármore multicolorido), é uma figura mística fisicamente abalada por uma visão milagrosa. Chamado à França pelo rei Luís XIV para trabalhar no Palácio do Louvre, Bernini deixou Roma por um curto período. Embora seus planos arquitetônicos tenham sido rejeitados, ele completou o busto-retrato de Luís XIV (Chateau, Versalhes), uma representação majestosa de um monarca em um traje dramaticamente esvoaçante, e voltou para casa.

Sob o papa Urbano VIII, Bernini recebeu a primeira de várias encomendas da Basílica de São Pedro - um enorme baldaquino de mármore, bronze e dourado que ficava acima do altar papal. Pouco depois, ele começou a criar um monumento a Urbano VIII, uma obra que determinou a iconografia dos futuros monumentos funerários papais.

Nas obras posteriores de Pedro, o Grande, colocado em uma abside para cercar o antigo trono que se acredita ter pertencido a São Pedro, a luz natural é amplificada por raios dourados espalhados, criando um ambiente divino, e a peça sagrada imediatamente chama a atenção do observador. A última obra de Bernini para a Igreja de São Pedro, iniciada sob o papa Alexandre VII, foi o projeto de uma gigantesca praça que conduz à igreja. Ele mesmo comparou o espaço oval, delineado por duas colunatas independentes, a uma igreja-mãe estendendo os braços para abraçar os crentes.

Ele também demonstrou sua habilidade como arquiteto na igreja de Sant'Andrea Al Quirinale, e suas habilidades de engenharia o ajudaram a criar as fontes.

4. Velázquez

A obra de Velázquez é amplamente considerada a representação mais perfeita do barroco espanhol. Onde a ênfase muda das características renascentistas de luz brilhante e uma perspectiva matemática, o barroco favorece a essência da humanidade, mostrando as coisas como deveriam ser vistas. O desenvolvimento do claro-escuro fez com que a sombra se tornasse tão importante quanto a luz, na qual as coisas podem estar oculto ou destacado, contrastado ou ostentado. Este efeito foi freqüentemente usado por Velázquez.

A sua formação inicial como aluno de Pacheco deu-lhe uma base no realismo italiano, que se tornou a principal característica da sua arte. À medida que seu estilo artístico se tornou mais autossuficiente, ele se inclinou mais para uma visão naturalista das coisas, por exemplo, em "Epifania", ele recria essa cena famosa com membros de sua própria família, em oposição à tradicional Maria e Jesus. Isso serve para universalizar a cena, tornando-a relevante para todas as famílias.

Durante as viagens de Velázquez pela Itália, ele foi fortemente influenciado pelos grandes mestres de Veneza, e isso foi especialmente notável em seu uso da cor. As famosas "Maids of Honor" e "Surrender of Delirium" são bons exemplos disso. A última pintura acabou na sala do trono do rei Filipe IV, onde suas vitórias militares foram celebradas. A imagem é tão comovente que Velázquez se concentrou no sentimento humano, em vez de no derramamento de sangue e na agressão da guerra. O rosto do comandante espanhol Spinola transborda de compaixão quando o forte holandês finalmente se rende após um cerco de quatro meses.

Ele se incluiu em muitas de suas pinturas, especialmente nas posteriores. Isso enfatiza a conexão inextricável do artista com seu trabalho e também indica que Velázquez se via como uma figura bastante exaltada, e não um artista modesto.

Ele trabalhou na corte real, criando retratos do rei e de sua família, e sua escolha de pintar bufões e anões da corte contribuiu para o estudo mais aprofundado da forma humana. "O anão sentado no chão" é um bom exemplo de como Velázquez provou que todos merecem ser desenhados.

5. Rubens

Rubens nasceu em Siegen, Alemanha, na Vestfália. Seu pai, Jan Rubens, advogado e vereador de Antuérpia, fugiu da Holanda espanhola (atual Bélgica) em 1568 com sua esposa Maria Pipelinx e quatro filhos para evitar a perseguição religiosa por suas crenças calvinistas.

Após a morte de Jan em 1587, a família voltou para Antuérpia, onde o jovem Peter Paul, criado na fé católica romana de sua mãe, recebeu uma educação clássica. A sua formação artística começou em 1591 com a aprendizagem de Tobias Verhecht, um parente pintor paisagista de modesto talento. Um ano depois, mudou-se para o estúdio de Adam Van North, onde permaneceu por quatro anos até se tornar aprendiz do artista principal de Antuérpia, Otto van Veen, reitor do Artists Guild of St. Luke.

A maioria das obras juvenis de Rubens desapareceram ou permaneceram sem identificação. Em 1598, Rubens foi admitido na guilda dos artistas em Antuérpia. Ele provavelmente continuou a trabalhar na oficina de Van Veen antes de partir para a Itália em maio de 1600. Em Veneza, ele absorveu o brilho e a expressividade dramática das obras-primas renascentistas de Ticiano, Tintoretto e Veronese. Contratado por Vincenzo I Gonzaga, duque de Mântua, Rubens foi para Mântua, onde sua principal tarefa era fazer cópias de pinturas renascentistas, principalmente retratos de beldades da corte.

Em outubro do mesmo ano, Paulo acompanhou o duque a Florença para assistir ao casamento da irmã de Gonzaga, Maria de Medici, com o rei Henrique IV da França, cena que Rubens recriaria um quarto de século depois para a rainha. No final do primeiro ano, ele já havia viajado pela Itália com um caderno nas mãos. Cópias de pinturas renascentistas feitas por ele fornecem uma rica visão geral das conquistas da arte italiana no século XVI.

Em agosto de 1601, Rubens chegou a Roma. Lá, o novo estilo barroco proclamado por Annibale Carracci e Caravaggio, Michelangelo e Raphael foi rapidamente adotado por Rubens. Sua primeira grande obra romana envolveu três grandes pinturas para a capela da cripta de Santa Helena na Basílica de Santa Croce.

Rubens reclamou que era o homem mais ocupado e cansado do mundo, mas continuou a assumir importantes atribuições na Igreja. Sua Adoração dos Magos pela Abadia de São Miguel foi coroada com três esculturas monumentais de sua própria autoria.

Além disso, o artista não negligenciou patrocinadores e encomendas particulares. Ele retratou com maestria seu médico e amigo Louis Nonnius, sua futura nora Suzanne Fourment e seus filhos Albert e Nicholas. Sua paisagem com Filemom e Bavkid revela em uma veia poética sua visão heróica e catastrófica da natureza. E a Infanta Isabella encomendou a Rubens um extenso ciclo de tapeçarias “O Triunfo da Eucaristia”, manifestação inédita do ilusionismo barroco.

O que podemos dizer, mas a arte foi, é e terá um valor inestimável durante séculos. E não é nada surpreendente que o mundo esteja cheio de pessoas dispostas a incluir esta ou aquela pintura em sua coleção (na maioria das vezes por meios ilegais). Alguém comete um crime por causa de dinheiro, e alguém simplesmente tenta divertir seu orgulho, tira as fotos debaixo do nariz dos guardas, sem deixar rastros.