Como a Amazônia da vanguarda russa conquistou Paris e além: Natalia Goncharova

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

Natalia Goncharova é uma notável artista, designer e escritora russa. Tornou-se famosa em todo o mundo graças aos seus trabalhos brilhantes, suculentos e extraordinários que combinam vários estilos: do fauvismo e cubismo ao futurismo e art nouveau. Ela também era conhecida por seus trajes e cenários para balé e teatro, que eram marcantes por sua versatilidade e design incomuns para a época.

Durante as primeiras duas décadas do século 20, a arte russa absorveu novos estilos e filosofia da arte da Europa Ocidental e mudou-se para a vanguarda da cultura. Goncharova e o seu marido Mikhail Larionov, com o seu trabalho e esforço na organização de exposições e equipas criativas, encontraram-se no centro desta revolução artística, que precedeu e acompanhou a convulsão política no país.

Natalia nasceu em Nagaevo, na Rússia Central. A família Goncharov perdeu sua fortuna com base na produção de linho no final do século XVIII. O famoso poeta Pushkin casou-se com uma de suas ancestrais, Natalia Goncharova, de quem ela recebeu o nome. Seu pai era arquiteto. A família da mãe de Natalia, a família Belyaev, deu à luz vários padres e eram conhecidos como patronos da música.

Em seus primeiros anos, Natalya frequentou um ginásio em Moscou. E com uma idade mais consciente, decidida a tornar-se artista, ingressou na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura (Moscou), onde estudou escultura com Pavel Trubetskoy, que trabalhou no estilo de Auguste Rodin. Ela deixou a faculdade três anos depois, apesar de ganhar uma medalha de prata e não completar um período de dez anos de estudo para o currículo. Isso coincidiu com sua aceitação da pintura como seu meio de expressão preferido.

1. Carreira e marido

Em 1900, Goncharova conheceu seu futuro marido, Mikhail Larionov. Ele também foi para a faculdade, mas o departamento de pintura. Sua decisão de se dedicar à pintura foi apoiada por Mikhail, sua paixão pelo jogo de luz e harmonia de cores no futuro se tornou a marca registrada da artista.

Como muitos artistas russos de sua época, os primeiros anos do século XX foram um período de conhecimento e aceitação dos estilos que se desenvolveram nas capitais da Europa Ocidental. Na época, ela foi atraída pelo impressionismo e divisionismo, estilos associados respectivamente a Monet e Seurat. Ambos os estilos enfatizavam não a imagem de objetos sólidos, mas a captura da luz (cor) que era refletida do objeto para o olho. Como resultado, o desenho geralmente ficava solto e a ênfase estava na cor e também nas pinceladas. Isso levou a uma percepção da pintura, pinceladas, textura e pintura em tela. Esses dois estilos foram essenciais para libertar a arte de um caráter puramente representativo. Os artistas começaram a perceber que a arte é uma expressão estética, inspirada na aparência do mundo físico, mas não dependente dele.

Certa vez, o grande empresário do balé russo Diaghilev organizou a inclusão da coleção de pinturas de Goncharova e Larionov na seção russa do Salão de Outono de Paris. Sua inclusão nesta recém-criada exposição anual de nova arte radical (no mesmo ano de 1906, o primeiro grupo de Fauves foi apresentado lá) atesta o fato de que ambos os artistas foram considerados modelos das tendências de vanguarda de seu país. Nos nove anos seguintes, antes de sua emigração da Rússia, Natalia participou de uma série de exposições importantes, muitas das quais ela e Mikhail organizaram. Durante este período, ela também foi apresentada na exposição pós-impressionista de 1912 organizada por Roger Fry na Grafton Gallery em Londres, bem como em exposições pessoais em Moscou e São Petersburgo, e em uma exposição na Paul Guillaume Gallery em Paris com o catálogo do famoso crítico Apollinaire.

2. Estilo de distritalismo

O meio século que precedeu o início da guerra foi um período de rápido desenvolvimento das belas-artes na Rússia. Natalia estava na vanguarda desse movimento.

Surpreendentemente, três direções diferentes se manifestaram simultaneamente em seu trabalho: regionalismo, neo-primitivismo e cubo-futurismo.

O primeiro deles é o estilo original concebido por Mikhail e extensivamente pesquisado por Natalia.

O distritismo era, naquela época, um dos estilos completamente abstratos da arte ocidental. Como o impressionismo, o regionalismo se concentra nos raios de luz refletidos nos objetos. O espaço na imagem de um radiante não é mensurável, mas é uma atmosfera carregada com a energia de um número infinito de raios de luz, seja diretamente do sol ou, mais provavelmente, raios refletindo para frente e para trás de objetos físicos ao seu redor. O princípio orientador é puramente estético, pois as cores são escolhidas por sua harmonia ou efeito visual.

Por mais de três décadas, os artistas ficaram fascinados com a ideia de criar arte não figurativa baseada na orquestração da cor. Se a música é completamente abstrata e, ao mesmo tempo, infinitamente expressiva, então não pode haver uma arte usando a cor (em vez do som) que seria tão abstrata e expressiva.

Em vez das formas fragmentadas e interconectadas encontradas no cubismo, a série Cats é baseada em traços de cor longos e cortantes. O distritismo foi um estilo de vida curta que chegou ao fim em 1914. Franz Marc, associado ao Blaue Reiter de Munique (com quem Natalia expôs dois anos antes), admirava seu trabalho e escrevia de maneira inspirada no distritalismo, possivelmente devido à sua influência.

3. Estilo de primitivismo

Irrestrita e inquieta, em busca de nova inspiração, ela também dependeu muito dos primeiros pintores cubistas, como Pablo Picasso, por algum tempo. Esta fase da sua obra durou vários anos e percorreu a sua pintura, inspirada na tradição russa.

Mas suas ilustrações para vários livros de poesia de Velimir Khlebnikov e Alexei Kruchenykh mostraram sua devoção às antigas formas de arte russa, como ícones, afrescos religiosos e xilogravuras. Em 1913, ela declarou dramaticamente que estava se afastando do Ocidente, dando sua simpatia ao Oriente.

Em uma de suas primeiras exposições, foram apresentadas pinturas primitivistas e cubistas e, em uma exposição posterior, organizada por seu marido, mais de cinquenta obras de Natalia foram exibidas. Ela se inspirou para o primitivismo em ícones russos e na arte popular, também conhecidas como gravuras populares. A segunda exposição, posterior, foi concebida como uma ruptura deliberada com a influência artística europeia e a criação de uma escola russa independente de arte contemporânea. O acontecimento acabou por ser polémico e a censura confiscou a obra temática religiosa de Natalia, "Evangelistas", por considerá-la uma blasfémia exibi-la numa exposição intitulada "A cauda do burro". Natalia e Mikhail há muito são perseguidos por seus trabalhos e pela forma como se expressam. Mas mesmo nas últimas obras de Natalia, a influência do futurismo russo é perceptível. Fascinada inicialmente pela pintura de ícones e pelo primitivismo da arte popular étnica russa, Natalia ganhou fama na Rússia por seu trabalho futurista (um dos quais foi uma pintura chamada O Ciclista).

Natalia e Mikhail, pintando seus rostos com hieróglifos e flores, caminhavam pelas ruas como parte de um movimento artístico primitivista. A própria Natalia de vez em quando não tinha medo de aparecer em público seminua com símbolos no peito. Como líderes dos futuristas de Moscou, eles organizaram noites de palestras provocativas na mesma linha que seus colegas italianos. Além disso, Natalia escreveu e ilustrou vários livros de vanguarda.

Natalia faz parte do grupo de vanguarda Blue Rider desde o primeiro dia de sua fundação (1911). Quatro anos depois, ela começou a desenvolver figurinos e cenários de balé em Genebra. E logo ela começou a trabalhar em uma série de esquetes para o balé de Diaghilev, mas, infelizmente, o balé nunca foi realizado.

Alguns anos depois, ela se mudou para Paris, onde criou vários sets para os balés russos de Diaghilev. Também expôs no Salon d'Automne e participou regularmente no Salon des Tuileries e no Salon of Independents.

Natalia e Mikhail colaboraram em quatro eventos de caridade em Moscou. Ambos desenvolveram a maior parte do material promocional do evento.

4. Estilo de neo-primitivismo

Em paralelo com o Rayonismo, Natalia escreveu em um estilo que agora é chamado de neo-primitivismo. Foi um fenômeno que já havia ocorrido na França e em outros lugares e parece estar relacionado a uma mudança nas aspirações políticas, sociais e culturais. Combinado com a democratização do pensamento político e social, muitas vezes tem havido uma tendência de tentar descobrir o caráter mais profundo das culturas nacionais, voltando-se para a arte popular tradicional ou camponesa como inspiração. Devido à origem eclesiástica de sua família e ao fato de ter passado a juventude morando em uma propriedade rural, Natalia se sentiu atraída pela tradicional arte religiosa e popular como parte de sua experiência formativa e como as artes visuais de seus compatriotas. Este foi o período em que a intelectualidade começou a ver os ícones (imagens litúrgicas russas) como um importante patrimônio cultural nacional. A grande exposição de ícones de Romanov entusiasmou muitas pessoas esteticamente sensíveis.

Natalia escreve sobre temas religiosos há vários anos, sentindo que o significado intensamente religioso e o significado dos ícones é um dos objetivos mais importantes para uma artista capturar em seu trabalho. As cores ricas, os efeitos decorativos deslumbrantes e a natureza altamente formalizada e estilizada dos ícones já a inspiraram a trabalhar.

Isso a levou a recorrer a um modo não relacionado à prática acadêmica. Além de enfatizar as qualidades decorativas planas, às vezes a tinta parecia respingar na superfície ou era aplicada rapidamente para um efeito espontâneo. O charme e a ingenuidade, antes cantados na pintura de Henri Rousseau, apareceram na obra da artista russa e, o que é muito importante para ela, foram emprestados de fontes locais.

5. Estilo de cubo-futurismo

Entre 1913 e 1914, o Cubo-Futurismo, aspectos dos então modernos estilos de Cubismo e Futurismo, aparecem na pintura de Natalia. O cubismo era conhecido pelos artistas russos por meio de publicações, exposições e coleções como as coleções Morozov e Shchukin. O cubismo era ambivalente em relação à cor em favor de um novo sentido de fragmentação da estrutura e coesão da forma, resultando em uma composição uniformemente animada em que a relação figura / fundo é eliminada.

O futurismo italiano também teve seguidores na Rússia nos anos imediatamente anteriores à Primeira Guerra Mundial.

Seu futurismo, como o dos italianos, era cheio de cores. As sensações de movimento eram causadas por repetições rítmicas de figuras ou linhas. A inclusão de palavras coloridas ou fragmentos de palavras como se fossem de signos e parte do ambiente por onde a pessoa passou, contribuiu ainda mais para essa percepção. As ondas sonoras também eram implicadas por efeitos rítmicos e, às vezes, pelo uso de notação musical.

6. Os últimos anos de vida

Natalia passou o resto da vida em Paris, reconhecida como um membro importante da comunidade artística da cidade. Ela continuou a pintar, mas seu trabalho mais notável foi na área de cenografia. Nessa área, ela e Michael se tornaram estrelas mundiais. Natalia identificou cada vez mais seu trabalho com a França. Em 1936, ela e Mikhail participaram de um importante concurso internacional de arte teatral realizado em Milão. Eles preferiram expor seus trabalhos na seção francesa em vez de na seção soviética, e quando ganharam a medalha de prata, foi a França que foi até eles.

Após a invasão da França por Adolf Hitler na primavera de 1940, Natalia e Mikhail encontraram-se sob ocupação alemã. Nos anos difíceis que se seguiram, os dois conseguiram continuar suas carreiras no teatro. Em seguida, uma exposição de suas pinturas tendenciosas em Paris lembrou ao público seu papel proeminente no desenvolvimento da arte contemporânea na virada do século. Como alguns argumentaram, os dois artistas deliberadamente superaram parte de seus trabalhos, às vezes em mais de uma década, a fim de solidificar sua reputação como artistas pioneiros.

Mikhail sofreu um derrame e a situação financeira dos cônjuges, que nunca foi particularmente confortável, tornou-se ainda mais precária. Eles sobreviveram em parte com a venda de suas primeiras pinturas. Natalia também sofria de muitas doenças físicas, incluindo uma forma severa de artrite, que tornava impossível desenhar em um cavalete. Continuando a demonstrar sua dedicação ao trabalho, ela colocou a tela à sua frente em uma posição nivelada para continuar manipulando o pincel.

Natalia fez sua última tentativa de design teatral em 57. Consistia em figurinos e cenários para uma série de balés em Monte Carlo. Um ano depois, ela fez a última exposição de sua pintura em Paris, mostrando cerca de vinte telas inspiradas no lançamento russo do satélite espacial Sputnik.

O casal ainda estava com problemas financeiros. Apenas a venda de uma parte significativa da biblioteca e das obras dos cônjuges para o Victoria and Albert Museum de Londres ajudou a manter sua solvência.

Natalia morreu de câncer em Paris. Em sua lápide estava simplesmente escrito que ela era uma artista e pintora. A morte de Mikhail veio logo em seguida. Ele foi enterrado ao lado dela com a mesma inscrição em sua lápide.

Continuando o tema da pintura - seis líderes mundiais que se tornaram famosos não apenas na políticabem como na arte.