11 das peças de arte americanas mais caras vendidas em leilão nos últimos 10 anos

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

A primeira década do século XXI acabou sendo favorável para a indústria da arte: a pintura mais cara do mundo foi vendida em leilão por uma quantia fabulosa, o interesse cada vez maior pela arte de povos indígenas e minorias, também como a influência duradoura das redes sociais na perspectiva estética fez seu trabalho, desempenhando um dos papéis principais. A arte americana não foi exceção, e algumas das obras-primas mais valiosas dos Estados Unidos passaram de mão em mão, estabelecendo novos recordes mundiais em leilões.

O século XX viu uma explosão de criatividade e inovação na arte americana, refletida nas onze obras-primas listadas aqui. Embora alguns deles tenham sido alojados nos departamentos de arte contemporânea das principais casas de leilão, cada um deles contribuiu para a reputação e o sucesso da arte americana em geral.

1. Norman Rockwell

Originalmente criado como capa do Saturday Evening Post, o camarim de Norman Rockwell logo se tornou um ícone cult. Ao longo de meados do século 20, as ilustrações prolíficas de Norman ajudaram a moldar a identidade nacional e, como um dos times de beisebol da Major League mais antigos e amados do país, o Boston Red Sox foi uma maneira infalível de tocar o coração até dos mais duros dos americanos.

Esta pintura retratando jogadores de beisebol reconhecíveis e publicada durante a aposentadoria da lenda do beisebol Ted Williams ainda é relevante hoje, sendo considerada uma pintura atemporal. A pintura retrata o novato evocando emoções conflitantes, já que a parafernália do Red Sox representa uma sensação de triunfo e glória, enquanto o estranho recém-chegado não pode deixar de causar sentimentos de ansiedade e até constrangimento. A profunda resposta emocional gerada pela imagem aparentemente simples é, sem dúvida, a razão pela qual esta pintura foi leiloada em 2014 por incríveis US $ 22 milhões.

2. Edward Hopper

Um dos artistas mais importantes e influentes do século XX, Edward Hopper se distinguiu de seus contemporâneos ao capturar cenas da vida cotidiana americana com honestidade emocional, mas flagrante. Isso está incorporado em The East Wind Over Weehawken.

Apesar da falta de dramatismo ou beleza óbvia, a pintura carrega-se de tensão e emoção, sobretudo em resultado do sinal “Vende-se”, que pode significar movimento e progressão para a frente, mas envolve igualmente dificuldade e luta, gerando sentimentos ambíguos. Em 2013, esta obra foi vendida na Christie's por quarenta e um milhões de dólares.

3. Georgia O'Keeffe

Constantemente inspirando-se no mundo das plantas, Georgia O'Keeffe levou a natureza americana em uma escala totalmente nova. Em vez de paisagens expansivas e vistas amplas, ela escolheu pequenos botões ou folhas individuais como tema de suas pinturas, na esperança de que mesmo os nova-iorquinos ocupados tivessem a oportunidade de apreciar a beleza do mundo natural.

Uma flor que aparece em muitas das pinturas de O'Keeffe é a erva daninha de Jimson (droga comum), uma planta venenosa que ela descobriu perto de sua casa no Novo México. Suas pinturas em close, retratando uma flor delicada, mas venenosa, transformam o perigoso em beleza e congelam o efêmero, tornando-o imortal.

Apesar do subtexto íntimo frequentemente atribuído a suas pinturas florais, O'Keeffe insistiu que eram homenagens à beleza da natureza e que tais interpretações eram o resultado das próprias projeções do crítico, não de suas intenções.”Aparecido na Sotheby's em 2014, causou surpresa e empolgação do público no exato momento em que foi vendido por quase quarenta e cinco milhões de dólares, o que o tornou a obra mais cara de uma mulher artista.

4. Mark Rothko

Embora à primeira vista pareça tão simples que qualquer pessoa com um pincel e uma tela possa pintar a No. 10 - uma das pinturas mais famosas de Mark Rothko. Na verdade, este trabalho representa a habilidade do artista tanto nos instrumentos quanto na técnica. Os óleos parecem brilhar com um brilho sobrenatural que dá energia e movimento à pintura. A paleta de cores evoca associações diretas com calor, fogo e paixão, e as áreas onde o amarelo encontra o laranja e o vermelho se transforma em preto estão imbuídas de uma sensação obsessiva do desconhecido.

Quem sabe o que motivou um dos licitantes anônimos da Christie's, que sem arrependimento se desfez de uma impressionante soma de oitenta e dois milhões de dólares, tendo adquirido o "nº 10" para sua própria coleção.

5. Andy Warhol

Depois de retratar nomes como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor e Marlon Brando, era quase inevitável que o artista pop recorresse ao Rei do Rock para completar seu panteão de ícones americanos. O fascínio de Warhol pela cultura popular fez de Elvis Presley o tema ideal para uma de suas características serigrafias. Imagens monocromáticas sobrepostas semelhantes a filmes e a ideia de uma tela prateada refletida em um fundo polido levam o espectador ao mundo da Hollywood dos anos 1950 para uma experiência inesquecível. Esse visual é tão poderoso que foi comprado na Christie's em 2014 por incríveis $ 82 milhões.

6. Barnett Newman

Entre 1958 e 1966, Barnett Newman (Newman) criou uma série de pigmentos pretos em telas abertas. Sua simplicidade e interação simbólica entre a luz e as trevas incorporam a sensação de solenidade e imensidão gerada pela perda do irmão pelo artista. Newman traduziu sua dor e preocupação com a mortalidade em obras de arte ásperas e tensas, mas sofisticadas e harmoniosas ao mesmo tempo.

A referência ao fogo no título convida o espectador a ver movimento e paixão mesmo em uma paleta linear e monocromática. A peça certamente acendeu o coração de um licitante anônimo que comprou o Black Fire I da Christie's em 2014 por US $ 84 milhões.

7. Mark Rothko

“Laranja, vermelho, amarelo” - cores como a pintura de Mark Rothko atraem os olhos e as emoções por muitas das mesmas razões do No. 10. Sua paleta de cores quentes parece emitir luz do óleo e áreas liminais nas quais a sombra se torna diferentes, eles requerem uma contemplação especial. No entanto, ao contrário do nº 10, esta peça exala vitalidade e não carrega nenhum indício de escuridão, o que parece significar o fim.

Uma miríade de pinceladas leves cria uma variedade de texturas, de quase transparente a rica opalescência, o que dá à pintura uma impressionante sensação de profundidade. Combinado com a enorme extensão da tela, que tem quase 2,5 metros de altura, isso cria o efeito de envolver o observador em uma trilha íntima de calor. É por isso que esta obra de Rothko foi leiloada na Christie's em 2012 por quase oitenta e sete milhões de dólares.

8. Edward Hopper

Chop Suei é frequentemente considerado a pintura mais perfeita de Edward Hopper devido ao fato de que apela a todos os sentidos e convida o espectador a criar uma história em sua mente. Como East Wind over Weehawken, Chop Suei foca nos momentos mais tranquilos da vida americana, apresentando uma cena cotidiana com pinceladas largas e tons suaves.

Em vez do realismo fotográfico que muitos de seus pares aspiravam, este estilo evoca o efeito de uma memória ou de um sonho. A cena encantadora e misteriosa estabeleceu o recorde do trabalho mais caro de Hopper quando foi vendido na Christie's em 2018 por pouco menos de noventa e dois milhões de dólares.

9. Roy Lichtenstein

Muito antes de ser vendido na Christie's por 95 milhões de dólares em 2015, Roy Lichtenstein's Nurse se tornou uma obra icônica da arte americana, incorporando o desafio da pop art às artes visuais tradicionais. A exemplo das campanhas publicitárias modernas, dos quadrinhos e do comercialismo, a pop art deu ao seu público uma nova lente por meio da qual era possível interpretar o mundo ao seu redor e as mensagens que recebiam.

O trabalho da enfermeira retém uma sensação de profundidade e energia gerada pelo vasto campo de pontos estampados à mão (em vez de feitos à máquina) que compõem o rosto, as mangas e o fundo da mulher. Combinada com linhas e cores ousadas que compõem o resto da imagem, a pintura oscila entre a paródia, a sinceridade e a ironia.

10. Jean-Michel Basquiat

Depois de receber uma cópia de Grey's Anatomy enquanto se recuperava de um acidente de carro, Jean-Michel Basquiat passou a se interessar pelo corpo humano, como evidenciado pelas pinturas que criou quando adulto. A caveira é uma das imagens mais reconhecidas que regularmente aparece em sua obra, um símbolo que constrói uma ponte entre a vida e a morte.

Um exemplo disso é seu trabalho "Sem título", em que cores vivas e traços ásperos e caóticos contrastam com um crânio afundado e mudo. Combinando uma base científica com um estilo urbano, a pintura incorpora a nova abordagem de Basquiat à arte. Isso foi mostrado na exposição Basquiat, que não foi nomeada como a única peça em exibição, e na Sotheby's, onde a pintura foi vendida por cento e dez milhões de dólares em 2017.

11. Andy Warhol

Como Triple Elvis, Silver Car Crash de Andy Warhol usa uma combinação de serigrafia e pintura prateada, mas o efeito é completamente diferente. The Silver Crash enfatiza que embora o carro possa ser a essência da liberdade, da indústria e do sonho americano, ele também tem a capacidade de causar morte, destruição e desastre.

A representação tentadoramente horripilante de um carro destruído, repetida inúmeras vezes, e a tela em branco assustador ao lado, chamaram a atenção de três colecionadores de arte extremamente famosos: Gian Enzo Sperone, Charles Saatchi e Thomas Amman. Um leiloeiro anônimo da Sotheby's comprou o quadro em 2013 por cento e cinco milhões de dólares, o preço mais alto já pago por Warhol.

Continuando o tópico - 10 pinturas de paisagens encantadoras, que carregam o espectador com a mais real "energia sublime" e proporcionam um mar de todo tipo de emoções.