Como um joalheiro francês desvendou os segredos dos artesãos japoneses: Lucien Gaillard e seus pentes de osso

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

As obras de Lucien Gaillard são familiares a todos - mesmo que seu nome permaneça desconhecido. Seus graciosos grampos de cabelo, pentes e broches se tornaram a personificação absoluta da direção "curvilínea" da modernidade. Ele glorificou a beleza de curta duração, fluida e mutável - sua glória acabou sendo tão passageira …

Na segunda metade do século 19, os europeus descobriram a arte japonesa - e isso mudou radicalmente o vetor de desenvolvimento da arte e do design. O estudo da cultura deste país misterioso abriu novos horizontes para os artistas e deu-lhes novas fontes de inspiração. A vivacidade e simplicidade da cultura japonesa, sua proximidade com a natureza, sua multidimensionalidade estética formaram a base de várias direções da modernidade. Os joalheiros descobriram a assimetria, ganharam a capacidade de olhar em volta e encontrar inspiração literalmente sob os pés, pararam de perseguir imagens da juventude eterna e se voltaram para o tema da mudança, da mudança das estações e da inevitabilidade do desbotamento. Desdenhosamente chamado de "japonesismo", o fascínio dos artistas europeus pela arte japonesa rapidamente assumiu proporções incríveis. Lucien Gaillard, que conseguiu levar a síntese das culturas a um novo patamar, não escapou dessa paixão.

Gaillard era um joalheiro de terceira geração e sua família sempre gostou da arte japonesa - entretanto, eles ainda eram considerados excêntricos. No entanto, seus méritos, habilidade e engenhosidade sempre superaram as esquisitices.

Lucien nasceu e cresceu em Paris, que já era a capital da moda na época. E embora a caprichosa Art Nouveau não tenha sido uma invenção dos franceses, os mestres locais aprenderam e desenvolveram seus motivos exóticos - e Gaillard se tornou o verdadeiro gênio da Art Nouveau francesa. Começou a sua carreira na empresa do avô, que herdou em 1892 - e este foi o primeiro passo para deixar de ser descendente de joalheiros famosos e tornar-se ele mesmo.

O primeiro e principal professor de Gaillard foi seu pai, um ourives que teve vários prêmios e medalhas. No entanto, mesmo na condição de dono da empresa, Lucien nunca parou de estudar, frequentou inúmeros cursos de joalheria, conversou com destacados artesãos parisienses. Mas desde muito jovem Gaillard ficou fascinado pelos segredos das ligas japonesas, pátina e vernizes. Ele acreditava que foram os japoneses que alcançaram o nível fantástico de processamento do metal, sua coloração - e não, ele não se esforçou para superá-los. Ele queria entendê-los.

Gaillard tinha alma de artista, mas mente de cientista. Ele mergulhou no estudo de metais e ligas e posteriormente publicou vários artigos científicos sobre a técnica de patinação. Ao mesmo tempo, ele dirigia uma oficina de produção de lâmpadas, vasos e outros móveis no estilo de Luís XV e Luís XVI. Não era isso que ele queria - mas essas coisas estavam em demanda, o que significa que lhe trouxeram renda e fama. Prêmios e posições honorárias foram derramados sobre o jovem joalheiro, joalheiros de toda a Europa estavam interessados em sua pesquisa experimental. E em 1897 Gaillard decidiu que era hora de dar um golpe …

Ele se mudou para um novo prédio de quatro andares na Ryu Boechi, comprou o equipamento mais novo e avançado para a época. Ele convidou artesãos japoneses que estavam prontos para lhe revelar os segredos das ligas antigas, conheceu gravadores, envernizadores, joalheiros asiáticos … Fez amizade com René Lalique, já um joalheiro consumado que sabia não só encontrar inspiração, mas também para inspirar seus colegas. Finalmente, ele apresentou seu trabalho pioneiro na Feira Mundial de 1900 em Paris.

O público ficou maravilhado. O que Gaillard começou a produzir era tão diferente dos trabalhos de outros joalheiros que o olhar parou involuntariamente em sua janela. Prata patinada, estranhamente cintilante e cintilante, joias feitas com o mais alto gosto artístico, pentes, grampos de cabelo, pequenos vasos com motivos naturais. Gaillard levou anos para encontrar composições especiais para patinação de osso e chifre, mas uma longa busca valeu a pena, e o nobre marfim em suas mãos adquiriu tons de verde, roxo, rosa. Essas joias não eram particularmente duráveis e exigiam um manuseio cuidadoso - mas conquistaram o coração de todos que ficaram honrados em olhá-las.

Nos escritos de Gaillard, a influência japonesa foi muito pronunciada. Ele retratou insetos, flores silvestres, sementes de plantas - tudo o que antes era considerado inaceitável para joias luxuosas. Além disso, ele foi um dos primeiros - junto com seu amigo Rene Lalique - a usar imagens femininas em joias, muitas vezes combinadas com imagens de cobras e insetos. É verdade que, ao contrário de Lalique, ele não conquistou essa fama escandalosa …

Também não é ambíguo que Gaillard tenha emprestado dos japoneses os designs de joias para cabelo que o tornaram famoso. As cristas ósseas ricamente decoradas sempre foram imbuídas de um simbolismo especial na cultura japonesa, e Gaillard combinou organicamente a funcionalidade asiática com o chique parisiense. No que Gaillard fazia, sempre houve um respeito especial pelas mulheres. Por isso, seus pentes e grampos são confortáveis, leves e agradáveis ao toque. E também estão imbuídos de luz e ar, parecem vivos, trêmulos, cintilantes … Quase nada se sabe sobre a vida pessoal de Gaillard. Aparentemente, ele não tem mais herdeiros. O irmão Gaillard era um renomado designer de móveis.

Na primeira década do século 20, Gaillard se interessou pela sopragem de vidro e até colaborou com Lalique, mas seu trabalho conjunto não foi particularmente frutífero. Após a década de 1910, ele se tornou cada vez menos ativo e interessado como cientista e artista, mas a empresa de Gaillard continuou a funcionar até 1921. Nessa época, ele parou completamente de fazer joias e desapareceu de cena. Em 1942, soube-se que o mestre não existe mais. No entanto, suas joias, muitas vezes sem atribuição, sem nome, sobreviveram ao seu criador, instalaram-se em coleções particulares, se esconderam em museus e permaneceram como uma memória da "era do belo", quando os artistas viam seu objetivo apenas em criar beleza.