Quem Rodin realmente criou "O pensador" ou "O enlutado": o verdadeiro significado de obras de arte famosas

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

Qualquer pessoa pode notar facilmente que o tema do luto é muito popular entre os artistas. E muitas vezes as pessoas modernas nem sabem sobre a história da origem de algumas pinturas ou esculturas e seu verdadeiro significado.

"Retrato de Veneza Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Parece que a jovem está dormindo pacificamente. No entanto, quando o artista flamengo Anthony van Dyck em 1633 tentou transmitir na tela toda a beleza aristocrática de Veneza Stanley, Lady Digby, ele estava na verdade pintando um retrato … de um cadáver de dois dias deitado em seu leito de morte.

Perturbado pela tristeza ao descobrir que sua esposa havia morrido repentinamente à noite, aos 33 anos, o marido de Veneza, Sir Kenelm Digby, pediu a Van Dyck, o pintor da corte do rei Carlos I, para pintar sua esposa falecida perante "os cirurgiões e legistas chegado."

Anthony van Dyck escreveu Veneza, Lady Digby em seu leito de morte em 1633 - dois dias depois que a mulher morreu durante o sono

Van Dijk começou a trabalhar, ignorando as terríveis mudanças que ocorrem no corpo humano após a morte. No pescoço pálido e encantador de Veneza, ele desenhou um colar de pérolas e na borda do lençol espalhou pétalas de rosa. Digby acreditava que a pintura de Van Dyck, que agora está na Dulwich Art Gallery de Londres, foi o coroamento da criação do artista. Segundo ele, essa "rosa" parecia "desbotada" à primeira vista e deveria simbolizar a morte de sua esposa.

Apesar de já terem se passado quase 400 anos, ainda há rumores de que Digby, que não era apenas um cortesão e diplomata, mas também um inventor e alquimista, causou a morte de sua esposa. Alguns dizem que ele deu a Veneza uma mistura de sangue de víbora para beber, com a qual esperava preservar sua beleza. Outros acreditam que ele a matou em um acesso de ciúme - afinal, ele teria dito uma vez sobre a notória licenciosidade de Veneza que "um homem sábio e forte pode fazer uma mulher honesta até mesmo de uma trabalhadora de bordel". Curiosamente, embora uma autópsia tenha sido realizada, seus resultados não foram preservados.

No entanto, Digby ficou arrasado com a morte de Veneza. Ele escreveu ao irmão que o retrato póstumo de Van Dyck “é a única companhia constante que tenho agora. Ele fica o dia todo na frente da minha cadeira e mesa … e a noite toda ao lado da cama. Quando o luar fraco cai sobre ele, parece-me que eu realmente a vejo morta."

Em outras palavras, de acordo com a carta de Digby, a pequena pintura a óleo de Van Dyck, com menos de um metro quadrado de tamanho, tornou-se um consolo e conforto para o viúvo enlutado. Se a rosa do quadro é de fato o "emblema" da transitoriedade da vida, o quadro em si simboliza o que pode ser chamado de arte da tristeza.

Além dos monumentos funerários nas igrejas, que foram instalados principalmente em memória dos falecidos, o tema do luto na arte ocidental antes da era de Van Dyck, na Idade Média e durante o Renascimento, via de regra, era encontrado apenas nas religiões pinturas e esculturas dedicadas à trágica história da morte de Cristo. …

Pieta de Michelangelo na Basílica de São Pedro

A impressionante pieta de mármore de Michelangelo na Basílica de São Pedro é a única escultura que ele já assinou. Ela retrata a triste Virgem Maria com o Cristo morto deitado em seu colo. Este é talvez o exemplo mais famoso, mas existem muitos outros. Por exemplo, pode-se destacar uma pintura de outro artista da Alta Renascença e amigo de Michelangelo, Sebastiano del Piombo. De acordo com especialistas da Galeria Nacional, a pintura (na qual del Piombo trabalhou com Michelangelo) "Lamentação do Cristo Morto" (c.1512-1516) é "a primeira paisagem noturna em grande escala da história", e seu céu iluminado pela lua combina perfeitamente com o clima sombrio.

A Pieta de Michelangelo na Basílica de São Pedro é uma versão famosa de uma das imagens mais comuns do catolicismo: a tristeza da Virgem Maria pela morte de seu filho

Claro, o tema tradicional do luto por Cristo foi retratado por muitos autores famosos da história da arte, de Giotto e Mantegna a Rubens e Rembrandt. Esses são apenas alguns dos milhares de artistas que retrataram essa cena bíblica de uma forma ou de outra ao longo dos séculos. Na verdade, a arte do luto tornou-se tão onipresente que às vezes as pessoas esquecem o que estão olhando. O curador da nova exposição de Rodin no Museu Britânico publicou recentemente um artigo sugerindo que a famosa escultura francesa O Pensador deveria de fato se chamar The Mourner. “Olhe atentamente para a mão e o queixo”, disse Ian Jenkins, uma autoridade em arte grega antiga. - Se essa pessoa estivesse pensando em algo, ele teria coberto o queixo com a mão em um gesto de consideração. Mas nesta escultura, a mão apóia o queixo. E na Grécia antiga era um gesto de luto."

"Ilha dos Mortos" por Arnold Böcklin

Pintura a óleo sobre madeira de Arnold Böcklin "Ilha dos Mortos", 1880. Seu enredo é baseado na mitologia grega antiga. A pintura inspirou o filme de terror homônimo de Jacques Tourneur

Se você inserir a palavra "luto" em um mecanismo de busca online de qualquer museu internacional, ele retornará muitos resultados. Por exemplo, no Reino Unido, uma pesquisa por essa palavra-chave no site da Tate Gallery retornou 143 obras de arte sobre o tema luto e sofrimento em diferentes períodos.

Por exemplo, no século 18, os artistas começaram a ver a dor e a tristeza pelo prisma do drama de Shakespeare. Um dos tópicos favoritos foi a morte da filha do rei Lear, Cordelia. No século 19, a pintura incrivelmente detalhada de John Everett Millais, Ophelia (1851-52), para a qual a modelo Elizabeth Siddal posou por várias horas diariamente na banheira durante quatro meses, é uma expressão visual de luto famosa e altamente poética. Ele retrata uma nobre dinamarquesa do Hamlet de Shakespeare que enlouqueceu de tristeza por causa do pai assassinado e se afogou em um riacho.

O pensador de Rodin

Ian Jenkins, do Museu Britânico, acredita que O Pensador de Rodin deveria ser chamado de O Enlutado porque a figura apoiou o queixo em um punho cerrado - um sinal claro de que a pessoa está retraída e imersa em sua própria dor.

O luto era um tópico muito importante para os artistas durante a era vitoriana, quando uma complexa "cultura do luto" era popular. Em seu Art of Death (1991), o historiador da arte Nigel Llewellyn observa que "uma impressionante cultura visual da morte" foi uma marca registrada do século XIX.

"Mulher chorando", de Picasso

No século 20, os artistas continuaram a tradição de seus ancestrais vitorianos de expressar tristeza em suas obras. Talvez o melhor exemplo seja Mulher que chora (1937), de Picasso, que está ligado à sua pintura épica Guernica do mesmo ano, pintada durante a Guerra Civil Espanhola em resposta ao bombardeio de um avião alemão contra uma cidade basca. Guernica é considerada por muitos a expressão máxima do luto coletivo do século XX. Claro, existem muitos exemplos de outras pinturas do século 20, cujo tema está relacionado com a tristeza. Por exemplo, você pode se lembrar de uma pequena pintura de Lucian Freud, pintada por ele em 1973 - um retrato de sua mãe, triste com a morte de seu marido.

"Triptych" de Francis Bacon

Francis Bacon pintou no painel esquerdo do Tríptico (agosto de 1972) seu amante George Dyer, que cometeu suicídio

O Tríptico de Francis Bacon, que também está em exibição na Tate hoje, conseguiu abordar a dor pessoal e pública. Um dos chamados Black Triptychs de Bacon foi pintado após o suicídio de seu amante George Dyer, cuja imagem pode ser vista no painel esquerdo. Assim, o tríptico é um testemunho inesquecível e muito pessoal do sofrimento do pintor (que, aliás, está retratado no painel direito).

Naturalmente, duas guerras mundiais no século 20 não puderam deixar de ter um impacto na arte. Os críticos de arte argumentam que a guerra teve um efeito profundo na maneira como os artistas retrataram o luto, em comparação com o século XIX. Ao contrário do luto vitoriano, em que famílias individuais experimentavam luto individual, quase todas as famílias na Europa sofreram repentinamente.

Memoriais de guerra

Uma consequência disso foi um esforço oficial do governo para "criar uma cultura visual apropriada para o luto". As figuras funerárias alegóricas clássicas, tão amadas pelos vitorianos, saíram de moda. Em seu lugar, havia memoriais de guerra que enfatizavam o sacrifício nacional comum, em vez da perda de indivíduos.

O Cenotaph War Memorial perto de Whitehall, Londres, projetado por Edwin Lutyens, é um exemplo arquetípico dessa nova abordagem: em vez de figuras humanas, há um caixão vazio que pode ser associado a qualquer soldado. As famílias enlutadas podem usá-lo como um símbolo universal.

Taryn Simon fez a instalação "Ocupação da Perda", que contou com a presença de 21 "enlutados profissionais" de diferentes culturas

A versatilidade do luto ainda é um tema abordado por artistas contemporâneos. No início deste ano, a fotógrafa americana Taryn Simon recebeu ótimas críticas por sua instalação ao vivo, Occupation of Loss, encenada em um salão subterrâneo no norte de Londres. Para o trabalho, que estreou em Nova York em 2016, Simon convidou 21 “enlutados profissionais” de todo o mundo, incluindo Albânia, Azerbaijão, Equador, Gana e Venezuela. O público pôde ouvir cada uma dessas mulheres.