Por que se acredita que um bom artista deve ser pobre e infeliz

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

Os artistas contemporâneos desmascararam com sucesso o mito de que certamente devem parecer excêntricos, usando uma boina velha sobre o cabelo comprido e um colete. A maioria dos criadores tem um visual elegante e até impressionante. Mas eles não conseguiram lidar com todos os estereótipos. Por exemplo, ainda existe a crença de que um artista talentoso deve ser pobre. E certamente sofrerá. Quer se trate de um amor infeliz, de maus hábitos ou apenas das circunstâncias da vida, a pobreza não deve ser o único vício. De onde veio e os artistas e outros criadores são realmente pobres e infelizes?

Se nos voltarmos imediatamente para os fatos, então a UNESCO, por exemplo, determinou o período entre a pintura de um quadro e seu reconhecimento mundial (claro, em geral, desde que seja reconhecido) em 50 anos. Um tempo enorme, se o considerarmos no contexto da vida humana, e não da história mundial. Não é por isso que a maioria dos artistas, sem receber reconhecimento durante a vida, morreu na pobreza? Isso significa que esse estereótipo nada mais é do que uma observação de vida, sabedoria popular.

Além disso, este princípio é adequado não apenas no caso de artistas e suas criações, mas para qualquer criador e inovador. Seja uma pessoa criativa, um matemático ou um programador. A sociedade e a economia de mercado não aceitam imediatamente algo conceitualmente novo. Claro, se falamos de artistas, então se esse criador enfeita o que está sendo vendido agora, ele pode ganhar dinheiro, mas vale a pena anunciar a inovação, então todos vão franzir os lábios com ceticismo. Portanto, há uma grande diferença se um artista trabalha para a idade ou para o mercado. No entanto, há exemplos que comprovam que um não interfere no outro.

Mas permanece o fato de que criações engenhosas são criadas após o trabalho comum, e este último não se distingue de forma alguma pela sublimidade. Porém, nem todos os criadores são tão sábios, via de regra, possuindo uma natureza complexa e impulsiva, que não concordaram com tais compromissos, o que os condenou a uma existência pobre.

Pessoas pobres e amantes do dólar

Salvador Dali chamou a si mesmo de "Amante do dólar", definindo assim suas próprias ambições. Ele transformou seu nome em uma marca durante sua vida e o usou ativamente. Claro, sem seu talento, a atenção não teria sido atraída para ele, mas devemos prestar homenagem ao nível de hype com que se cercou, seria a inveja das celebridades modernas. Qual é a sua história com sua esposa Gala. Afinal, o resto dos homens consideraria vergonhoso revelar tais detalhes sobre sua vida familiar, mas Dali de bom grado disse a todos, inclusive em uma entrevista, que sua esposa vive com amantes em um castelo próximo, e ele mesmo só vai até ela por convite.

E essa história que se espalhou? Diga, Dali, ao pagar o jantar em um restaurante, fez um pequeno desenho no verso. O cheque do restaurante custava mais do que o próprio almoço, então nunca era descontado. Para o artista, não valeu nada.

Apesar de nunca ter trabalhado por salários baixos, sempre recebeu um grande número de pedidos. Isso muitas vezes levou ao fato de que ele derrubou seu próprio mercado, reduzindo o custo do trabalho individual. No entanto, em vez de parar, passou a trabalhar ainda mais arduamente, literalmente inundando o mercado com pinturas, esboços, ilustrações, projetos de móveis.

Quando outras celebridades nem pensaram em filmar em publicidade, Dali já havia recomendado a compra de determinada marca de chocolate nas telas. Em seguida, houve um anúncio de uma marca de automóveis, uma companhia aérea e até mesmo chicletes. No entanto, um verdadeiro escândalo na alfândega revelou a atitude de Dali em relação ao dinheiro - ele o amava muito.

Uma receita tangível foi trazida a ele por gráficos, cuja autenticidade ele confirmou com sua própria assinatura. Mas, como se viu, ele não iria desenhar cada um separadamente. Eles foram impressos em uma placa de metal, e folhas em branco assinadas com um medidor foram preparadas com antecedência. Foram eles no valor de 40 mil exemplares que foram encontrados na alfândega. As folhas eram baratas, mas Dali as assinou muito rapidamente. Em média, ele conseguia assinar até 70 mil dólares por hora.

No início do século 20, a comunidade de artistas estava tacitamente dividida entre aqueles que trabalhavam (ou pelo menos buscavam) trabalhar financeiramente produtivos como Salvador Dali, e aqueles que homenageavam exclusivamente gênios mendigos não reconhecidos como Vincent van Gogh. Durante a sua vida, por uma quantia mais ou menos decente de 400 francos, vendeu a sua única obra "Red Vineyards". Todas as outras obras foram avaliadas após sua morte. Ele não só falhou em ganhar, como também não conseguiu prover-se de uma existência decente.

A família sempre o condenou, a sociedade não entendeu e não aceitou, e a única coisa que o confortava era pintar. Ele trabalhou muito, embora isso não possa ser chamado de trabalho, porque nunca recebeu pagamento pelas pinturas. É possível aceitar a fama póstuma e a eternidade na memória dos descendentes como pagamento?

Van Gogh escreveu que, se pudesse ganhar pelo menos mil francos por ano, teria começado a pintar a toda milha e com ainda mais prazer, mas isso não aconteceu e o brilhante artista saiu com ressentimento e talento não reconhecido.

Uma imagem idealizada de um artista faminto

Para ser franco até o fim, não apenas os próprios artistas contribuíram para idealizar a imagem do gênio não reconhecido. Franz Kafka em sua história "Fome" descreve um homem que tinha uma atitude muito peculiar em relação à arte (no entanto, como o próprio Kafka) e toda a essência de sua auto-expressão estava em uma greve de fome. Agora seria chamado de performance, mas aparentemente naquela época não eram realmente percebidas, porque as pessoas olhavam, olhavam para o artista morrendo de fome, e depois carregavam seu corpo com um monte de palha.

Kafka, ironicamente, demonstra sua atitude em relação ao sindicato "artista-dinheiro", acreditando que um verdadeiro gênio e criador deve sofrer, "morrer de fome" por sua visão da arte. E se ele ganha bem, está bem alimentado, é próspero e está em harmonia com o governo atual, então ele é um servo dos capitalistas. O verdadeiro gênio é sempre desconhecido durante sua vida e, de preferência, mendigos.

Knut Hamsun em seu romance "Fome" também ajudou a criar a mesma imagem, descrevendo o escritor com alucinações de fome. Hemingway também acreditava que um escritor deveria estar com fome para pensar melhor no eterno, para estar um degrau acima de seus leitores jantados. No entanto, o próprio escritor relaxava gloriosamente em resorts e viveu feliz para sempre, sem se esforçar para ter um estilo de vida ascético.

Talvez a pobreza desate em certa medida as mãos dos criadores de pinturas e não só. Um artista, não reconhecido por ninguém, vai criar da forma que lhe é próxima, sem tentar impressionar a crítica, sem ter em conta os desejos dos futuros compradores e muito mais. Ele tem a oportunidade de experimentar sem olhar para trás a opinião dos colegas, não teme que o público não aprove (ela não aprovou mais), embarca na compreensão de temas profundos e valores eternos. Não é este o pré-requisito para criar uma obra-prima?

Outros percebem a pobreza como liberdade, pois se um artista se entrega totalmente à pintura, sem se preocupar com o trabalho banal e rotineiro do mercado, tem muito mais tempo para experimentar e pintar a si mesmo. Pablo Picasso disse que “a inspiração existe e vem durante o trabalho”. Ou seja, você não deve ficar deitado no divã esperando a chegada da musa, que o conduzirá pela mão até a tela e permitirá que você desenhe uma obra-prima que vale milhões.

O músico de rock Nick Cave disse que a inspiração não existe. Chamando trabalho de criatividade, ele não diminuiu o papel do talento em nada. Mas não basta o talento, é preciso perseverança e trabalho. Muito trabalho. Só então coisas brilhantes acontecem. Portanto, a recomendação de “criar a eternidade após o trabalho” é antes uma formulação teórica, praticamente irrealizável na realidade.

Sofrimento e medo pela artista

A única coisa que todos, sem exceção, esperam de qualquer obra de arte - as emoções. Alegria, deleite, horror, nojo, medo - não importa, o principal é que a energia emana da imagem, caso contrário, por que é tudo? Pode um artista que dormiu, tomou um farto e saboroso café da manhã, cuja casa está cheia, sua amada esposa está ocupada com o jantar e filhos (necessariamente saudáveis e heterossexuais) encher a casa (certamente iluminada e espaçosa, construída por conta própria) com suas vozes e risadas, de repente criaram uma obra-prima que viraria as almas de outras pessoas do avesso? Duvidoso.

Muitos artistas acumulam deliberadamente emoções negativas: medo, raiva, ressentimento, ajudam a dar ao seu trabalho o nível necessário de energia e nitidez. No entanto, esses problemas não tinham nada a ver com seu talento, mas sim com seu status social e estilo de vida. O mesmo Van Gogh sofria de transtornos mentais desde a infância e o sofrimento fazia parte de sua vida.

Freqüentemente, os gênios têm transtornos mentais. Estas últimas, apesar de de fato destruírem a personalidade, nos melhores períodos, podem se tornar a causa e a base para a criação de obras-primas ou descobertas científicas. Mas isso é um pagamento suficiente para anos de sofrimento, tormento, ansiedade e depressão? Esquizofrenia, transtorno bipolar, ansiedade, depressão - tudo isso pode e empurra uma pessoa para a expressão através da arte, mas torna a vida, tanto da própria pessoa quanto de seus entes queridos, simplesmente insuportável. Muitas vezes, a vida dos gênios terminava em suicídio - outra evidência de que o sofrimento era insuportável.

Arte russa

Em 1963, cerca de 14 artistas deixaram a Academia Russa de Artes. E, além disso, com um escândalo. Eles não tiveram a oportunidade de escolher os temas das pinturas que seriam apresentadas ao concurso. Muitos artistas, que se conheciam e de repente se libertaram de sua ocupação principal, decidiram fundar sua própria comunidade. Eles se uniram em um artel e tentaram ganhar dinheiro com o que sabiam fazer - pintando quadros, inclusive por encomenda.

Chegaram até a divulgar uma espécie de anúncio em jornais com indicação da lista de serviços que prestam e de seus custos. A gama de serviços era muito diversa, artistas e iconóstases, retratos e pinturas pintados. E tudo isso com tintas a óleo, aquarelas e pastéis. Serviços de tutoria também foram oferecidos.

A vida em um artel custava ao artista cerca de 25 rublos por mês, e a busca coletiva por pedidos era uma ideia muito boa e trazia um bom lucro. Por exemplo, o preço dos retratos começou em 75 rublos e mais. Na maior parte, o preço dependia da experiência e talento do artista, seu nome, e não do tamanho da tela.

Muitos artistas, cujas telas pertencem às obras-primas do mundo e agora valem uma fortuna, foram de fato criados por mestres que criam arte pela arte. A sua consciência, que não se enquadra no quadro da normalidade e, portanto, o não reconhecimento do seu talento ao longo da vida, para muitos tornou-se o motivo da imortalização dos seus nomes nos anais da história. Os descendentes, como se se sentissem culpados diante do gênio, cultivam seu talento, veem a centelha de Deus em suas criações, e a trágica história de sua pobreza e privação apenas complementa o quadro geral.

Freqüentemente, os gênios, além de um caráter complexo e esquisito, também possuíam desvios mentais. Alguns gênios da URSS, que deixaram sua marca na ciência e na arte, têm mais probabilidade de dever isso à sua esquizofrenia, que permite pensar fora dos marcos..