9 obras-primas de artistas brilhantes que inspiraram grandes designers de moda e criaram coleções exclusivas

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

Ao longo da história, moda e arte andaram de mãos dadas para criar uma ótima combinação. Muitos estilistas emprestaram ideias de movimentos artísticos para suas coleções, o que permitiu que a moda fosse interpretada como uma forma de arte que serve principalmente para expressar ideias e visões. Influenciados por isso, alguns estilistas de renome internacional criaram coleções notáveis com base nos movimentos artísticos do século XX.

1. Madeleine Vionne

Nascida no centro-norte da França em 1876, Madame Madeleine Vionne era conhecida como "a deusa do estilo e rainha da alfaiataria". Durante sua estada em Roma, ela ficou fascinada pela arte e cultura das civilizações grega e romana, e foi inspirada por antigas deusas e estátuas. Com base nessas obras de arte, ela moldou a estética de seu estilo e combinou elementos da escultura e da arquitetura grega para dar uma nova dimensão ao corpo feminino. Com sua habilidade em drapeados e vestidos inclinados, Madeleine revolucionou a moda moderna. Ela costumava consultar obras de arte como The Winged Victory of Samothrace para suas coleções de arte.

As semelhanças entre a obra-prima da arte helenística e a musa de Vionne são impressionantes. O drapeado profundo do tecido no estilo do quíton grego cria faixas verticais de luz fluindo pela figura. A escultura foi criada em homenagem a Nike, a deusa grega da vitória, e é admirada por sua representação realista do movimento. A cortina fluida do design Vionnet é uma reminiscência do movimento do tecido ondulado que adere ao corpo da Nike. Os vestidos podem ser como seres vivos com alma, como um corpo. Como a Vitória Alada de Samotrácia, Madeleine criou vestidos que despertam a essência humana escondida no fundo. O classicismo, uma filosofia estética e uma filosofia de design, deu a Vionne a oportunidade de transmitir sua visão em harmonia geométrica.

Ela também era fascinada por movimentos de arte contemporânea, como o cubismo. Madeleine começou a incorporar formas geométricas em suas criações e adotou outro método de corte chamado corte chanfrado. Claro, Vionne nunca afirmou ter inventado o corte oblíquo, mas apenas expandiu seu uso. Enquanto as mulheres faziam grande progresso na luta por seus direitos no início do século XX, Madeleine defendeu sua liberdade abolindo o espartilho vitoriano de longa duração do uso diário das mulheres. Portanto, ela se tornou um símbolo da libertação das mulheres da restrição do bustiê e, em vez disso, lançou novos tecidos mais leves que literalmente fluíram nos corpos das mulheres.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli é o designer-chefe de Valentino e é muito atraído pelas obras religiosas da Idade Média. O ponto de partida da inspiração para ele é o momento de transição da Idade Média para o Renascimento do Norte. Ele colaborou com Zandra Rhodes e juntos desenvolveram uma coleção inspiradora na primavera de 2017. Piccioli queria conectar a cultura punk do final dos anos 70 com o humanismo e a arte medieval, então ele voltou às suas raízes e ao Renascimento, encontrando inspiração na pintura de Hieronymus Bosch O Jardim das Delícias Terrestres.

O famoso pintor holandês foi um dos representantes mais proeminentes do Renascimento do Norte no século XVI. No "Jardim das Delícias Terrenas", que Bosch pintou antes da Reforma, o artista quis retratar o Paraíso e a criação da humanidade, a primeira tentação de Adão e Eva, assim como do Inferno, antecipando os pecadores. No painel central, as pessoas parecem estar satisfazendo seus apetites em um mundo de prazer. A iconografia da Bosch se destaca pela originalidade e sensualidade. Todo o quadro é interpretado como uma alegoria do pecado.

No mundo da moda, a pintura ganhou popularidade à medida que vários estilistas ficaram fascinados com seus motivos. Misturando eras e estética, Piccioli reinterpretou os símbolos de Bosch com vestidos voadores transparentes, enquanto Rhodes criou estampas românticas e padrões bordados ligeiramente semelhantes à obra de arte original. As cores certamente fizeram parte da mensagem que os designers queriam transmitir. Assim, a coleção de vestidos voadores sonhadores é baseada na paleta de cores do norte de ovos de robin verde maçã, rosa pálido e azul.

3. Dolce e Gabbana

Peter Paul Rubens pintou com maestria as mulheres com amor, aprendizado e diligência. Ele apresentou sua "Vênus na frente do espelho" como o símbolo supremo da beleza. Peter retratou exclusivamente seu rosto claro e cabelos loiros, que contrastam com a empregada de pele escura. O espelho é um símbolo absoluto de beleza, que emoldura a mulher como um retrato, e ao mesmo tempo enfatiza sutilmente a nudez da figura. O espelho que Cupido segura para a deusa mostra o reflexo de Vênus como uma representação da atração erótica e do desejo. Rubens, que foi um dos fundadores da arte barroca, e seu conceito de "cores sobre as linhas" influenciaram vários estilistas, incluindo Dolce & Gabbana. O estilo barroco desviou-se do espírito do Renascimento, abandonou a serenidade e a suavidade e, em vez disso, buscou elegância, emoção e movimento.

Os estilistas Domenico Dolce e Stefano Gabbana queriam criar uma campanha que celebrasse tanto o lado sensual quanto o romântico da beleza feminina. Peter Paul Rubens foi a fonte de inspiração mais adequada. As criações da dupla cult estavam em grande harmonia com a arte do artista flamengo. Nesta coleção, os modelos posaram com grande nobreza, parecendo terem acabado de sair de uma das pinturas de Rubens. As decorações foram projetadas para se assemelhar a espelhos barrocos e detalhes de bordados. A graciosidade das figuras e a paleta de cores pastel foram lindamente enfatizadas pelo vestido rosa brocado. A escolha dos estilistas de incluir uma variedade de modelos contribuiu ainda mais para o tipo de corpo daquela época. As linhas curvas que Dolce e Gabbana usaram foram contra a discriminação de diferentes tipos de corpo na indústria da moda.

A coleção Dolce and Gabbana Women's Fall 2012 mostra muitas das características da arquitetura barroca italiana. Esta coleção combina perfeitamente com as características ricamente decoradas do estilo barroco siciliano. Os designers se concentraram na arquitetura barroca, vista nas igrejas católicas da Sicília. O ponto de referência foi a pintura de Rubens "Retrato de Anna da Áustria". Em seu retrato real, Ana da Áustria é retratada à moda espanhola. O vestido preto de Anna é decorado com listras verticais bordadas verdes e detalhes dourados. Vestidos e capas artisticamente desenhados feitos de tecidos luxuosos como rendas e brocados se tornaram a principal atração do desfile Dolce e Gabbana, que conquistou o mundo com sua criatividade.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga pode ser considerado um verdadeiro mestre que reformou a moda feminina no século XX. Nascido em uma pequena vila na Espanha, ele trouxe a essência da história da arte espanhola para seus projetos contemporâneos. Ao longo de sua carreira, Balenciaga ficou impressionado com o Renascimento espanhol. Ele sempre buscou inspiração na família real espanhola e em membros do clero. O estilista transformou os itens da igreja e as vestes monásticas da época em obras-primas da moda vestíveis.

Uma de suas grandes inspirações foi o maneirista El Greco, também conhecido como Dominikos Theotokopoulos. Olhando para o cardeal El Greco Fernando Niño de Guevara, você pode ver as semelhanças entre a capa do cardeal e o design de Balenciaga. A pintura retrata o cardeal espanhol Fernando Niño de Guevara da época de El Greco em Toledo. As idéias de El Greco foram emprestadas do neoplatonismo da Renascença italiana, e neste retrato ele apresenta o cardeal como um símbolo da graça de Deus. O maneirismo está presente em todo o quadro. Isso é perceptível em uma figura alongada com uma cabeça pequena, membros graciosos, mas bizarros, cores intensas e uma rejeição de medidas e proporções clássicas.

A paixão de Balenciaga por roupas históricas é evidente neste extravagante casaco de noite de sua coleção de 1954. Ele tinha a visão e a habilidade de inventar formas na moda moderna. A gola exagerada deste casaco ecoa o estilo folgado da capa de um cardeal. A cor vermelha das roupas do cardeal simboliza sangue e sua vontade de morrer pela fé. O vermelho vibrante foi considerado pelo famoso designer como extraordinário, já que ele frequentemente favorecia combinações de cores ousadas e tons vibrantes. Sua grande inovação foi a eliminação da cintura e a introdução de linhas fluidas, cortes simples e mangas três quartos. Com isso, a Balenciaga revolucionou a moda feminina.

O estilista também introduziu mangas compridas em pulseiras, que permitiam às mulheres expor suas joias. Na década de 1960, com a entrada gradativa da mulher no mercado de trabalho, Balenciaga teve a ideia de dar conforto, liberdade e funcionalidade às mulheres que vestia. Ele promovia vestidos soltos e confortáveis que contrastavam com as silhuetas justas da época.

5. Alexander McQueen

Artista austríaco, mestre do simbolismo e fundador do movimento de secessão vienense, Gustav Klimt lançou as bases para a história da arte do século XX. Suas pinturas e estética artística há muito inspiram designers de moda. Outros como Aquilano Rimondi, L'Rene Scott e Christian Dior, o designer que fez referência direta a Klimt foi Alexander McQueen. Na coleção Resort Primavera / Verão 2013, desenhou peças únicas que parecem inspiradas na obra do artista. Olhando para um vestido preto esvoaçante com um padrão dourado repetitivo no topo - uma imagem específica pode vir à mente. McQueen usou designs abstratos, geométricos e mosaicos em tons de bronze e ouro, incorporando-os em seus designs.

Em 1905, Gustav Klimt pintou o quadro "O Abraço", retratando um casal apanhado em um abraço gentil, que se tornou um símbolo de amor. O artista austríaco é conhecido por suas pinturas em ouro, bem como pela combinação perfeita de abstração e cor presente nessas obras. Todos os mosaicos têm ricos tons dourados com enfeites caleidoscópicos ou naturais que tiveram grande influência na moda. Esta pintura chama a atenção pelas formas geométricas contrastantes entre as roupas dos dois amantes. A roupa masculina é composta por quadrados pretos, brancos e cinza, enquanto o vestido feminino é decorado com círculos ovais e motivos florais. Assim, Klimt ilustra com maestria a diferença entre masculinidade e feminilidade. Alexandre adotou algo semelhante para suas roupas.

6. Christian Dior

Fundador do Impressionismo e um dos maiores pintores franceses da história da arte, Claude Monet deixou um grande legado artístico. Usando sua casa e jardim em Giverny como inspiração, Monet capturou a paisagem natural em suas pinturas. Em particular, na pintura "O Jardim do Artista em Giverny" ele conseguiu manipular a paisagem natural de acordo com suas necessidades. O contraste da trilha de terra marrom com a cor vibrante das flores complementa a cena. O famoso impressionista costumava escolher a flor da íris por causa de sua cor roxa para criar o efeito de um sol forte. Esta pintura é cheia de vida quando as flores desabrocham e saúdam, abraçando a primavera. Pétalas de rosa e lilás, íris e jasmim fazem parte de um paraíso colorido retratado em telas brancas.

Na mesma linha, Christian Dior, um pioneiro da moda francesa, deixou uma grande marca no mundo da moda que ainda hoje se faz sentir. Em 1949 desenhou uma coleção de alta costura para a temporada primavera / verão. Um dos destaques desta exposição foi o icônico vestido Dior, todo bordado com pétalas de flores em vários tons de rosa e roxo. Dior ilustrou perfeitamente os dois mundos da arte e da moda e imitou a estética de Monet neste vestido funcional. Ele passou muito tempo no campo, pintando suas coleções em seu jardim em Granville, como Monet fez. Assim, ele definiu o elegante estilo Dior incorporando a paleta de cores e padrões florais de Monet em suas criações.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian foi um dos primeiros artistas a criar arte abstrata no século XX. Nascido na Holanda em 1872, ele fundou todo um movimento artístico chamado De Stijl. O objetivo do movimento era unir arte contemporânea e vida. Esse estilo, também conhecido como neoplasticismo, era uma forma de arte abstrata em que o uso de princípios geométricos e cores primárias como o vermelho, o azul e o amarelo eram combinados com os neutros (preto, cinza e branco). O estilo inovador de Pete no início dos anos 1900 forçou os designers de moda a reproduzir esse tipo puro de arte abstrata. O melhor exemplo desse estilo de pintura é a Composição com Cores Vermelho, Azul e Amarelo.

Amante da arte, o estilista francês Yves Saint Laurent incorporou as pinturas de Mondrian em suas criações de alta costura. Ele se inspirou pela primeira vez no trabalho de Pete quando leu um livro sobre a vida do artista que sua mãe lhe deu no Natal. O designer expressou seu apreço ao artista em sua coleção de outono de 1965, conhecida como coleção Mondrian. Inspirado nas linhas geométricas e nas cores ousadas do artista, ele apresentou seis vestidos de coquetel que celebram seu estilo icônico e os anos 60 em geral. Cada um dos vestidos de Mondrian era ligeiramente diferente, mas todos eles compartilhavam uma forma simples de linha A e um comprimento de joelho sem mangas que era perfeito para cada tipo de corpo.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, nascida em 1890 em uma família aristocrática de Roma, logo expressou seu amor pelo mundo da moda. Ela começou a desenvolver seu estilo revolucionário, inspirado no futurismo, dada e surrealismo. Conforme sua carreira progredia, ela interagiu com surrealistas e dadaístas famosos como Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp e Jean Cocteau. Até colaborou com o artista espanhol Salvador Dali.

Uma das maiores colaborações na história da moda foi a colaboração entre Dali e Elsa Schiaparelli. Este vestido foi criado com Salvador Dali como parte da coleção de circo de Schiaparelli no verão de 1938. O vestido remete à pintura de Dali, na qual ele retratava mulheres com proporções corporais distorcidas.

Para os artistas surrealistas, a busca pela mulher ideal estava fadada ao fracasso, uma vez que o ideal existia apenas em sua imaginação, não na realidade. No entanto, não era intenção de Dali retratar as mulheres de forma realista, então seus corpos não são estéticos. Schiaparelli queria experimentar esse jogo de esconder e revelar o corpo, criando a ilusão de vulnerabilidade e insegurança. O vestido com a ilusão de lágrimas era feito de crepe de seda azul claro, uma homenagem a Salvador e suas mulheres desproporcionais.

9. Gianni Versace

A era da Pop Art foi provavelmente o período mais influente para designers de moda e artistas da história da arte. Andy Warhol foi o pioneiro na mistura de cultura pop e alta moda, tornando-o um símbolo icônico do movimento pop art. Nos anos 60, Warhol começou a praticar sua técnica de assinatura conhecida como serigrafia.

Uma de suas primeiras e, sem dúvida, suas obras mais famosas foi o Díptico de Marilyn. Para esta peça, ele se inspirou não apenas na cultura pop, mas também na história da arte e em artistas expressionistas abstratos. Andy capturou os dois mundos de Marilyn Monroe, a vida social de uma estrela de Hollywood e a trágica realidade de Norma Jeane, uma mulher que lutava contra a depressão e o vício. O díptico intensifica a vibração à esquerda, enquanto à direita desaparece na escuridão e na obscuridade. Na tentativa de representar uma sociedade de consumo e materialismo, ele retratou os indivíduos como produtos ao invés de pessoas.

O designer italiano Gianni Versace tinha uma amizade de longa data com Andy Warhol. Ambos os homens eram fascinados pela cultura popular. Para homenagear Warhol, Versace dedicou sua coleção Primavera / Verão de 1991 a ele. Um dos vestidos apresentava estampas de Warhol com Marilyn Monroe. Ele incorporou os vibrantes retratos de seda de Marilyn e James Dean dos anos 1960 em saias e vestidos longos.

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