7 obras-primas de l'Hermitage que valem a pena ver em 2020

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

Os cientistas há muito provam que a arte tem um efeito benéfico na saúde humana, reduzindo o nível de ansiedade e estresse no corpo. Isso é especialmente verdadeiro para as artes plásticas e a contemplação do belo. Portanto, para que 2020 seja um estado de corpo e espírito favorável, vale a pena visitar o Hermitage e ver as exposições mais famosas do museu.

"Apóstolos Pedro e Paulo", de El Greco

El Greco é um dos artistas mais brilhantes e originais. Grego de origem, estudou pintura na Itália na oficina do grande Ticiano. Aprendeu a técnica do óleo com seu ídolo e também se inspirou nas técnicas artísticas do maneirismo italiano. El Greco se destacou entre seus colegas pela originalidade do estilo dramaticamente expressivo. Em seus retratos, ele deu grande atenção à caracterização psicológica. Nesta pintura de l'Hermitage, o artista representa dois tipos diferentes de pessoas. À esquerda está o apóstolo Pedro, que negou a existência de Cristo três vezes. Seu rosto transmite tristeza e incerteza, enquanto seus gestos são tingidos de arrependimento e súplica. O apóstolo Paulo, que, como você sabe, era originalmente um zeloso perseguidor dos cristãos, na foto mostra fervor espiritual em afirmar a verdade. Os gestos manuais que constituem o centro composicional da obra expressam um diálogo que une os dois apóstolos.

O grisalho Peter, envolto em um manto dourado, inclinou a cabeça para o lado. Em sua mão esquerda ele segura seu símbolo - a chave do Reino dos Céus. Pavel pressiona firmemente sua mão esquerda contra o volume aberto sobre a mesa, sua mão direita sobe em um gesto de esclarecimento ao olhar diretamente para o espectador. São Pedro e São Paulo aparecem inúmeras vezes na obra de El Greco e são retratados com notável consistência. O artista sempre mostra Petra com cabelos e barba grisalhos, e muitas vezes usa um manto amarelo sobre uma túnica azul. Paul está sempre um pouco calvo, com cabelo escuro e barba, com uma túnica vermelha sobre roupas azuis ou verdes.

"Penitente Maria Madalena", de Ticiano

O Penitente Maria Madalena é um retrato de Santa Maria Madalena Ticiano de cerca de 1531, com a assinatura 'TITIANUS' na embarcação à esquerda. Segundo o enredo, trata-se de uma mulher de passado dissoluto que, segundo o Evangelho (Lc 7,36-50), veio à casa de Simão, o fariseu, pedir perdão a Jesus. É uma figura feminina retratada por Ticiano com traços grossos e concentrados e tons quentes. A paleta destaca olhos incríveis embebidos em lágrimas de cristal. O cabelo loiro cobre que cobre a figura é incrivelmente escrito. O tema da arrependida Maria Madalena, erguendo os olhos para o céu, ganhou grande popularidade na Itália no século 16 entre os aristocratas, líderes religiosos e a rica classe média. A falta de roupas simboliza a recusa de Madalena de joias, ouro e passatempos mundanos por causa da fé em Cristo. Além disso, o cabelo dourado e a figura geral de Madalena atendem aos padrões da beleza renascentista.

"Madonna Litta" de Leonardo da Vinci

A pintura recebeu o nome da família nobre milanesa, em cuja coleção foi encontrada durante a maior parte do século XIX. Em 1865, o czar russo Alexandre II comprou a tela para o Hermitage, onde é exibida até hoje. Esta obra retrata a Madona amamentando o Menino Jesus. Observe a ausência de fantasmas nesta imagem. Várias telas de Leonardo demonstram essa mesma característica. As figuras estão inseridas em um interior escuro com duas aberturas em arco que mostram uma vista da paisagem montanhosa. Detalhe interessante: no centro do quadro, à esquerda de Cristo, está um pintassilgo, símbolo da paixão de Cristo.

O sentimento de alegria da maternidade na pintura "Madonna Litta" é retratado de maneira especialmente encantadora graças à riqueza da própria imagem de Maria - aqui ele encontrou sua expressão madura da beleza feminina de Leonardo. O rosto gentil e belo de Nossa Senhora confere uma espiritualidade especial aos olhos semicerrados e um leve sorriso. A composição da pintura é impressionante em sua clareza e perfeição impressionantes. A Madona e o Menino eram um tema comum na arte cristã durante a Idade Média e continuaram na Renascença.

"Tocador de alaúde" Caravaggio

A pintura foi encomendada pelo cardeal Francesco del Monte, que patrocinou o artista. Caravaggio retratou um jovem fascinado pela música: seu olhar está cheio de inspiração, seus dedos agarram-se às cordas. A figura de um jovem em uma camisa branca se destaca claramente contra um fundo escuro. A iluminação lateral dura e as sombras cadentes dão aos objetos um volume e peso quase perceptíveis. Os objetos colocados na imagem testemunham o grande amor do artista pelo mundo ao seu redor, seu desejo de reproduzir a natureza com veracidade, para transmitir a qualidade material de cada detalhe. No caderno que se encontra diante do herói com um alaúde, estão escritas as notas de abertura do popular madrigal do século XVI "Você sabe que te amo".

O amor como tema deste trabalho também é indicado por outros objetos. Por exemplo, o alaúde quebrado era uma metáfora para o amor que falha. No alvorecer da criatividade, Caravaggio costumava dar aos jovens traços femininos, o que, no entanto, era típico da arte italiana do final do século XVI. É interessante que o músico da pintura de l'Hermitage foi muitas vezes confundido com uma menina, e a composição foi chamada de "O tocador de alaúde".

"A Dama de Azul" Thomas Gainsborough

Uma das melhores obras do artista - "The Lady in Blue" - foi criada por Gainsborough no auge de seus poderes criativos. A figura de uma jovem com um vestido aberto de tecido branco transparente se destaca suavemente sobre um fundo escuro. Seu cabelo empoado está estilizado em um penteado peculiar. Grandes cachos caem sobre ombros inclinados. O frescor do rosto jovem é acentuado por lábios entreabertos e olhos escuros amendoados. Com um leve movimento da mão direita, ela segura o lenço de seda azul. Tons acinzentados, azulados, rosados e brancos aqui e ali são realçados com traços brilhantes e ajudam a transmitir a elegância e beleza do modelo.

A ousadia das técnicas pictóricas de Gainsborough surpreendeu seus contemporâneos. Assim, Reynolds observou "pontos e características estranhas" nas pinturas de Gainsborough, "que parecem mais provavelmente o resultado do acaso do que de uma intenção consciente." É essa tradição não acadêmica uma das maiores conquistas de Gainsborough. "A Dama de Azul" entrou em l'Hermitage em 1916 a partir da coleção de A. 3. Khitrovo por testamento.

O Retorno do Filho Pródigo, de Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Esta obra-prima da arte bíblica mais uma vez confirma o status de Rembrandt como um dos melhores pintores de todos os tempos e o maior de todos os Velhos Mestres na representação de cenas bíblicas. A pintura O Retorno do Filho Pródigo, concluída pelo artista nos últimos anos de sua vida, retrata uma cena da parábola de Lucas 15: 11-32. Segundo o destacado crítico de arte Kenneth Clarke, a tela é uma das maiores pinturas de todos os tempos. Segundo a trama, o pai, como o patriarca, põe as mãos nos ombros de um penitente barbeado e vestido com roupas surradas. Seus olhos estão quase fechados. O ato de perdão se torna uma bênção de um sacramento quase sacramental.

Este é um quadro com a maior espiritualidade, livre de todos os aspectos anedóticos, em que todos os movimentos e ações foram paralisados. A cena mergulha na escuridão, como um túnel, de onde brilham os rostos do pai e do filho mais velho. Suas vestes vermelhas dão um brilho a essa escuridão. Rembrandt pintou repetidamente sobre o tema do filho pródigo, mas nessa versão monumental a óleo ele atingiu sua formulação mais emocionante e - graças ao contraste do filho mais velho e do filho (pródigo) mais jovem - a mais difícil psicologicamente.

"Dance" de Henri Matisse

“Dance” é uma das obras mais famosas de Henri Matisse - uma ode à vida, alegria, rejeição física e um símbolo da arte contemporânea. A peça foi encomendada pelo influente colecionador russo Sergei Shchukin em 1909 para decorar sua mansão. Caracterizada pela sua simplicidade e energia, esta orgia artística deixou uma marca indelével na arte do século XX. A dança foi escrita no auge da estética fauvista e incorpora a emancipação das tradições artísticas tradicionais ocidentais. A escolha estética de Henri Matisse para esta pintura causou um verdadeiro escândalo nos salões de arte em 1910. A nudez ousada e os tons ásperos deram ao filme um caráter extraordinário para a época, que aos olhos de alguns espectadores parecia bárbaro.

Matisse usou apenas três cores para representar essa dança: azul, verde e vermelho. De acordo com as associações de cores tradicionais fauvistas, essas três tonalidades criam um contraste intenso. No entanto, o objetivo de Matisse não era chocar o público. Pelo contrário, ele procurou unir as pessoas entre si e com a natureza. Como disse o artista: “O que sonho é uma arte equilibrada, limpa e calma que possa evitar problemas ou decepções”.