Como pinturas de artistas famosos se tornaram parte da moda, moldando um novo estilo do século XX

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

As ligações entre arte e moda definem momentos específicos da história. Ambos os meios refletem mudanças sociais, econômicas e políticas desde os vibrantes anos 20 aos vibrantes anos 80. Aqui estão quatro exemplos de artistas e designers de moda que, por meio de seu trabalho, ajudaram a formar uma nova perspectiva sobre a arte e a moda do século XX.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

A amizade entre Roy Halston e Andy Warhol definiu o mundo artístico. Tanto Roy quanto Andy foram líderes que abriram caminho para tornar o artista / designer uma celebridade. Eles removeram o estigma pretensioso do mundo da arte e trouxeram moda e estilo para as massas. Warhol usou a impressão em tela de seda várias vezes para criar as imagens. Embora ele certamente não tenha inventado o processo, ele revolucionou a ideia da produção em massa.

Roy usou tecidos e padrões que eram simples e elegantes, mas glamorosos com seu uso de lantejoulas, ultras e seda. Ele foi um dos primeiros a tornar a moda americana acessível e desejável. Ambos deixaram sua marca final na arte e no estilo ao longo das décadas de 1960, 70 e 80, que continua até hoje.

Roy e Andy trabalharam juntos em muitos projetos diferentes. Warhol criou campanhas publicitárias que apresentavam as roupas de Halston e até o próprio Halston. Por sua vez, Halston usou a estampa floral Warhol em algumas de suas coleções de roupas, de vestidos de noite a conjuntos de lazer.

Roy usava padrões simples em suas roupas, o que as tornava muito bem-sucedidas. Eram confortáveis de usar, mas também tinham um toque de luxo graças aos tecidos, cores e estampas. Warhol também simplificou seus materiais e processos. Isso facilitou a reprodução de seu trabalho e os tornou mais vendáveis.

O sucesso comercial teve seus próprios desafios para ambos os artistas. Halston foi o primeiro a fazer parceria com a rede de varejo JCPenney em 1982 e isso afetou a qualidade de sua marca. Warhol também foi recebido com críticas, já que seu trabalho foi visto como superficial. No entanto, ambos modernizaram seu uso de varejo e marketing em seus respectivos espaços para criar marcas para vendas no mercado de massa.

Roy e Andy eram visitantes frequentes do Studio 54. Eles deram festas, desenharam e produziram obras para celebridades como Liza Minnelli, Bianca Jagger e Elizabeth Taylor. Tudo isso se reflete em seu trabalho, que inspirou e definiu a era disco dos anos 1970.

Halston era conhecido por criar roupas de noite brilhantes. Roy colocou as lantejoulas horizontalmente no tecido, criando um efeito cintilante do material que usou para criar roupas luxuosas amadas por muitas mulheres glamorosas.

A série Warhol Diamond Dust Shoe também ilustra a vida noturna do Studio 54 e das celebridades que lá vivem. Pó de diamante é o que ele usou sobre estênceis ou pinturas, criando um elemento extra de profundidade para a peça. E seus sapatos foram originalmente a ideia para a campanha publicitária de Halston. De qualquer forma, esses dois deram uma grande contribuição para a moda, deixando uma marca indelével. Na verdade, ainda hoje, muitos designers modernos se inspiram nas ideias de Andy e Roy, criando coleções magníficas com ecos do passado.

2. Sonia Delaunay: Quando a arte se torna moda

Sonia Delaunay não só revolucionou uma nova forma de cubismo, mas também introduziu a conexão entre arte e moda. Tanto Delaunay quanto seu marido foram pioneiros do orfismo e experimentaram várias formas de abstração na arte. Ela foi a primeira de sua espécie a usar seu próprio estilo artístico e entrar no mundo da moda usando seus designs, estampas ou padrões têxteis originais. Ela é mais lembrada por sua arte e conexão com o marido do que por sua moda. Seu estilo desempenhou um papel importante na década de 1920, e seu catálogo de roupas é lembrado mais por fotografias e referências à sua arte do que pelas roupas em si. Para Sonya, havia e não há fronteira entre arte e moda. Para ela, eles são um e o mesmo.

Ela começou seu negócio de moda na década de 1920, criando roupas para clientes e desenhando tecidos para fabricantes. Sonya chamou sua gravadora de Simultânea e foi ainda mais longe com o uso de cores e padrões em vários assuntos. A simultaneidade desempenhou um papel importante em seu trabalho, e sua técnica incomum lembrava uma colcha de retalhos ou tecidos da Europa Oriental: as cores se sobrepunham e os padrões eram usados para criar harmonia e ritmo. Seus temas comuns incluem quadrados / retângulos, triângulos e linhas diagonais ou esferas - todos os quais se sobrepõem em seus vários designs.

Delaunay era uma jovem durante a era eduardiana, quando os espartilhos e o conformismo eram a norma. Isso mudou na década de 1920, quando as mulheres começaram a usar saias acima do joelho e roupas soltas e justas. Esse aspecto pode ser visto nos designs de Delaunay e ela era apaixonada por criar roupas que atendessem às necessidades das mulheres. Sonya desenvolveu trajes de banho que permitem que as mulheres se sintam mais confortáveis, mesmo na prática de esportes e natação. Ela colocou suas estampas em casacos, sapatos, chapéus e até carros, usando qualquer superfície como tela. Seus designs criaram liberdade de movimento e expressão por meio da cor e da forma.

Ao longo de sua carreira, ela constantemente experimentou algo novo e, como resultado, mudou-se para o cinema e o teatro. Sonia desenhou os figurinos de O Pequeno Parisiense, de Rene Le Somptier, enquanto o marido fez o cenário do filme. Ela gostava de formas geométricas, habilmente combinando e misturando-as umas com as outras, criando padrões bizarros e linhas quebradas que se tornaram sua marca registrada.

3. Colaboração entre Elsa Schiaparelli e Salvador Dali

A vanguarda da arte surreal é combinada com o líder da moda surreal. Salvador Dali e a estilista Elsa Schiaparelli colaboraram e se inspiraram mutuamente ao longo de suas carreiras. Eles criaram looks icônicos como Lobster Dress, The Shoe Hat e The Tear Dress que chocaram e inspiraram o público tanto na arte quanto na moda. Dali e Schiaparelli pavimentaram o caminho para uma futura colaboração entre designers de moda e artistas, preenchendo a lacuna entre o que é considerado arte vestível e moda. Dali usava lagostas como tema recorrente em seu trabalho e estava interessado em sua anatomia.

O vestido "Omar" é um trabalho conjunto de Elsa e Dali, e sua criação causou muita polêmica não só no dia de sua estreia, mas também depois. Primeiro, tem um corpete transparente e uma saia de organza branca. A roupa inusitada literalmente explodiu o mundo da moda, causando muita polêmica sobre esse assunto. O uso de pano branco também contrasta com a cor vermelha da lagosta. O branco pode ser considerado virgem ou simbolizando a pureza em comparação com o vermelho, o que pode significar relaxamento, poder ou perigo.

Esqueletos são outro tema encontrado na arte surreal e têm sido usados em mais colaborações entre Dali e Schiaparelli. O vestido Skeleton foi o primeiro de seu tipo. Elsa utilizou uma técnica chamada trapunto, onde duas camadas de tecido são costuradas juntas, criando um contorno onde a bainha é inserida, criando assim um efeito de relevo. Essa técnica cria uma superfície texturizada em um tecido plano, dando a ilusão de que ossos humanos estão saindo do vestido. Isso causou um escândalo porque o vestido era feito de um material elástico que grudava na pele. As fantasias das pinturas e desenhos de Dali foram incorporadas ao mundo irreal das roupas de Schiaparelli, que até hoje causam uma impressão indelével tanto nos espectadores quanto nos designers.

4. Yves Saint Laurent: O choque de arte e inspiração

Onde está a linha entre imitação e apreciação? Críticos, público, artistas e designers têm se esforçado para determinar onde esta linha funciona. No entanto, quando se tratava de Yves Saint Laurent, suas intenções eram nada mais do que lisonja e admiração pelos artistas e pinturas que ele usava como inspiração. Olhando para seu vasto portfólio, Saint Laurent foi inspirado por culturas e arte de todo o mundo, que ele incorporou com sucesso em suas roupas.

Embora Yves nunca tenha conhecido os artistas que o inspiraram, isso não o impediu de criar obras de arte em sinal de respeito por eles. Laurent inspirou-se em artistas como Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque e Picasso. Ele era um colecionador de arte e colecionou pinturas de Picasso e Matisse, que pendurou em sua casa.

Yves pegou alguns dos motivos da arte e os transformou em roupas deslumbrantes que homenageiam alguns de seus artistas favoritos. A década de 1960 foi uma época de revolução e comercialismo, uma nova era da moda e da arte. Os projetos de Saint Laurent ganharam sucesso comercial quando ele começou a se inspirar na pop art e na abstração. Em 1965, ele criou vinte e seis vestidos inspirados em pinturas abstratas de Piet Mondrian. Os vestidos personificavam o uso de formas simplistas e cores primárias arrojadas de Mondrian. Yves usava uma técnica em que não havia costuras visíveis entre as camadas do tecido, o que dava a impressão de que as roupas eram uma peça inteira. Saint Laurent pegou a arte de Mondrian da década de 1920 e tornou-a usável em relação à década de 1960.

Os vestidos da moda são exemplos clássicos do estilo dos anos 1960. Eram semelhantes às roupas da década de 1920, que eram menos rígidas e tinham mangas e bainhas que expunham grandes manchas de pele. As silhuetas quadradas de Saint Laurent faziam as mulheres se sentirem leves e livres. Isso também o levou a se inspirar em artistas pop art como Tom Wesselman e Andy Warhol. Ele criou uma linha de designs inspirados na arte pop que apresentava silhuetas e recortes em suas roupas. Tratava-se de superar as limitações do que é abstração na arte e na comercialização do design. Laurent juntou essas duas ideias para criar roupas para mulheres que sejam gratuitas e atraentes para as mulheres modernas.

As jaquetas Vincent Van Gogh de Saint Laurent são um exemplo de como Yves combinou a inspiração do artista com seus próprios talentos de design. Como suas outras roupas, temas relacionados a artistas não foram copiados e colados nas roupas de Saint Laurent. Em vez disso, ele escolheu usá-los como fonte de inspiração e criar peças que refletem seu próprio estilo. A jaqueta é um exemplo do estilo dos anos 80, que é bordada com girassóis no estilo pitoresco de Van Gogh.

Laurent colaborou com a Maison Lesage, líder em bordados de alta costura. Jaqueta "Girassóis" bordada com miçangas tubulares. As flores são repletas de tons diferentes de brilhos alaranjados e amarelos. Isso cria uma textura multidimensional semelhante à técnica de Van Gogh de aplicar tinta espessa na tela. Estima-se que seja um dos itens de alta costura mais caros já produzidos e vendidos na Christie's por quase quatrocentos mil euros. Saint Laurent abriu o caminho para o uso de roupas como uma obra de arte em si, independentemente da moda e da época.

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