Vestidos famosos na pintura, pelos quais se pode julgar qual era a moda da época

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 00:15

Desde tempos imemoriais, arte e moda se influenciam mutuamente, obrigando críticos e fashionistas a seguir de perto as novas tendências que se substituem às pressas. E enquanto alguns avaliavam o quadro em termos de características técnicas, outros correram aos alfaiates para logo conseguirem um vestido exatamente igual ao das heroínas retratadas nas telas.

1. Renascença

A Renascença foi uma época de renascimento cultural e artístico, pois o Classicismo fez um retorno revolucionário às sociedades europeias. No entanto, este período também viu mudanças significativas na moda. Veja como vestidos famosos em pinturas influenciaram a moda durante o Renascimento.

"Retrato do Casal Arnolfini" de Jan van Eyck é um dos principais elementos do estudo do tecido na pintura de retratos. A vestimenta de lã verde-esmeralda da mulher e as mangas forradas de arminho demonstram status de família, já que apenas os ricos podiam pagar por esse tipo de tecido. Lã, seda, veludo e pele eram raros e mais caros de produzir do que algodão ou linho, e eram um símbolo de status e riqueza. Uma das questões mais polêmicas em torno da pintura é se a mulher retratada (provavelmente a esposa de Arnolfini) está grávida. As saias renascentistas eram tão exuberantes e pesadas que as mulheres as levantavam para torná-las mais fáceis de mover.

As dobras curvas adicionadas ao vestido também mostram uma tendência de retratar mulheres com uma barriga pronunciada, já que sugeria ter filhos durante o casamento. Outro exemplo disso é Les Très Riches Heures du Duc de Berry, dos irmãos Limburg. Em ambas as imagens, as mulheres são retratadas com barrigas mais arredondadas. O Magnífico Livro de Horas do Duque de Berry retrata um casamento, e é comparável ao retrato de Arnolfini, uma vez que ambas as mulheres projetam uma imagem da maternidade em antecipação à gravidez. Sem olhar para a pintura de uma perspectiva moderna, pode-se vê-la como um registro do que as mulheres estavam vestindo e o que era importante para as pessoas mostrarem aos outros.

2. Os períodos Barroco e Rococó

Os períodos Barroco e Rococó são caracterizados por uma decoração requintada, decadência e ludicidade. Essas tendências se manifestaram não apenas na arte, mas também na moda, por meio de ornamentos complexos e vestidos luxuosos. Dê uma olhada em alguns dos famosos vestidos inspirados na arte.

A atenção de um artista desconhecido aos detalhes e roupas é o que torna Elizabeth Clark Frick (Sra. John Frick) e Little Mary um registro importante dos puritanos da Nova Inglaterra. Nesse look, Elizabeth usa tecidos e acessórios americanos finos dos anos 1600. Seu colarinho de renda branca indica a renda europeia popular encontrada entre as mulheres aristocráticas. Uma anágua de veludo bordado a ouro pode ser vista por baixo do vestido, e fitas adornam as mangas. Além disso, uma mulher tem joias: um colar de pérolas, um anel de ouro e uma pulseira de granada, que por sua vez falam de status e prosperidade. Esta pintura oferece uma perspectiva única sobre a vida puritana de Elizabeth e sua família.

É importante notar também o fato de que a artista conseguiu mesclar com maestria imagens de riqueza em um ambiente modesto. A pintura mostra claramente a riqueza de Elizabeth, destacando suas melhores roupas e joias. Também reflete a riqueza de seu marido, John Frick, que podia se dar ao luxo de satisfazer todos os caprichos de sua esposa comprando vários tipos de roupas e joias para ela. Além disso, a imagem simboliza sua atitude puritana de gratidão a Deus, porque sem Sua bênção eles não poderiam ter tido tal luxo.

O Swing de Jean-Honore Fragonard é um exemplo do estilo Rococó nos círculos aristocráticos franceses. A pintura foi encomendada em particular quando um cortesão francês pediu ao artista que pintasse seu próprio retrato e o de sua amante. Apesar de a pintura ter sido mantida a portas fechadas, ela revela o luxo, a frivolidade e o caráter secreto da corte real francesa.

O vestido rosa pastel se destaca em meio ao exuberante jardim e é o centro das atenções. Jean pintou o vestido com pinceladas soltas que imitam as saias largas e o corpete com babados de seu vestido. Seu pincel solto combina com o enredo desta cena idílica de jardim repleta de imagens glamourosas e caprichosas.

Sua pintura também mostra as tendências da moda na corte francesa. O Rococó transcendeu a moda, a arte e a arquitetura para criar algo exclusivamente francês. A moda rococó incluía os tecidos mais luxuosos, incluindo sedas em tons pastéis, veludos, rendas e padrões florais, bem como uma quantidade excessiva de laços, joias, babados e enfeites ornamentais para criar um visual que os cortesãos e convidados se enroscariam. têm suas cabeças. O estilo definia a diferença entre os pobres e os ricos, já que a aristocracia podia se dar ao luxo de tecidos e ornamentos requintados. Para as mulheres que usam essas roupas de inspiração rococó, a pintura é a epítome da corte real francesa antes da revolução.

3. Vestidos famosos nas pinturas do século XIX

O século 19 viu uma mudança artística do neoclassicismo para o modernismo inicial, dando lugar a estilos e escolas de pensamento. Este século também viu uma mudança na moda. Continue lendo para ver como as pinturas influenciaram o surgimento de vestidos e estilos famosos que eram visivelmente mais modernos do que antes.

Art for Art tornou-se associado a Symphony in White No. 1 de James Abbott McNeill Whistler, que pretendia dar à pintura um significado espiritual. A crítica, porém, não viu tudo isso, já que o quadro retratava a amante do artista, vestida com um vestido branco claro. Como resultado, este retrato tornou-se escandaloso. Durante os anos 1800, as roupas femininas geralmente incluíam uma anágua de crinolina feita de aço. As mulheres também usavam espartilhos entre uma variedade de outros itens de lingerie para poder criar saias mais largas.

“A mulher de branco” é o oposto do que estava na moda e na moda na época. O vestido da personagem principal retratada na fotografia era uma espécie de roupa interior que o marido ou a amante podiam ver, pois se acreditava que tal roupa era muito fácil de tirar. Para Whistler, sua musa era fazer parte de um cenário agradável aos olhos. Ele retratou Hiffernan como a viu, e para os telespectadores da época, a imagem era confusa e um pouco indecente. No entanto, com o advento de 1900, esse vestido se tornou a norma para o uso diário.

James Tissot criou muitas pinturas que retratam a moda feminina no final do século XIX. Ele estava à frente da moda europeia e é conhecido por pintar seus temas com as últimas tendências da moda em mente. A moda feminina começou a mudar entre as jovens em Paris e Londres no final do século XIX. As saias largas e pesadas de seus antecessores vitorianos foram substituídas por outras mais estreitas com pregas fofas nas costas.

No quadro "Miss Lloyd", a heroína está vestida com um vestido tal como era usado na sociedade da época, realçando a cintura estreita e a figura da ampulheta. "Retrato de Kathleen Newton" (sua então companheira) é o oposto completo da imagem de Miss Lloyd. A artista retratou uma mulher em um vestido como se ela irradiasse langor e sedução. No entanto, ambas as mulheres têm seu próprio charme especial e mistério que as rodeia. O vestido em si simboliza as diferenças na cultura popular da época. Uma imagem é tradicional e convencional, enquanto a outra é francamente íntima e escandalosa para os espectadores do século XIX.

John Singer Sargent criou a imagem de uma mulher, que, embora inaceitável para sua época, se tornou uma de suas pinturas mais reconhecidas e reverenciadas. Este é um retrato de Madame Virginie Gautreau, uma beldade americana misturada com a alta sociedade francesa. Isso causou tanto escândalo que o próprio John teve que deixar Paris para ir a Londres.

Seu espartilho é extremamente apontado para a parte inferior do abdômen. Um decote em V profundo e afiado e alças de ombro frisadas mal cobrem os ombros e expõem o que eram consideradas partes íntimas de uma mulher, inadequadas para exibição pública. Depois que Sargent apresentou a pintura no Salão de Paris de 1884, ela causou indignação de críticos e espectadores, porque não é apropriado para uma mulher casada da classe alta estar em uma forma tão provocativa. Parecia ao público no Salão que a heroína do filme usava roupa íntima, não vestido. E a reputação de Gautreau aos olhos das pessoas começou a cair para zero, porque muitos a consideravam uma pessoa obscena. Eventualmente Sargent removeu seu nome do retrato, renomeando-o como "Madame X".

4. Vestidos famosos nas pinturas do século XX

A arte do século XX centrou-se na abstração e na expressão, passando por mudanças significativas com novos estilos e temas. Também levou à exploração de novas formas e sínteses de moda e arte. Aqui são mostrados os famosos vestidos apresentados em pinturas durante o século XX.

O vestido dourado de Adele Bloch-Bauer se destaca do resto da vestimenta da alta sociedade de seu tempo. Em vez de retratar uma mulher de classe alta relaxando em um jardim ou lendo em um sofá, Klimt transforma Adele em uma figura de outro mundo. Seu vestido é uma figura rodopiante cheia de triângulos, olhos, retângulos e iconografia. Não há sinais de espartilhos com laços retos ou camadas de roupas. Moderno contém temas da natureza e imagens míticas. Isso também se aplica à moda boêmia, que o próprio Gustav usou e usou em várias outras pinturas.

Ele costumava pintar desenhos criados pela estilista Emily Flege. Ela não é tão conhecida no mundo da moda quanto suas contemporâneas ou antecessoras, mas se saiu bem na criação de moda para as mulheres de sua época. Às vezes era uma colaboração, já que Gustav usava seus vestidos famosos em muitas de suas outras pinturas.

Tamara Lempicka criou retratos que exploraram a feminilidade e a independência na década de 1920. A artista Art Déco ficou conhecida por seus retratos de celebridades que exploraram a forma estilizada e polida do cubismo que se tornou sua marca registrada. Ira Perrault (um amigo próximo e provável amante de Lempicki) é visto como uma manifestação literal da música em La Musicienne. O que faz a imagem se destacar é a representação de um vestido azul. A técnica de projeção de sombra dura de Tamara com sua rica paleta de cores dá movimento ao vestido de forma que parece estar flutuando no ar. A bainha curta do vestido e as pregas esvoaçantes ainda lembram a moda dos anos 1920, que marcou a virada da moda feminina. As mulheres usavam vestidos que expunham as pernas e os braços, e saias plissadas que tornavam mais fácil dançar.

Tamara foi inspirada e estudada por mestres da Renascença e usou temas semelhantes com uma abordagem moderna. Tradicionalmente, o azul pode ser visto nos vestidos da Virgem Maria em pinturas medievais ou renascentistas. O azul ultramarino era raro e usado em pinturas significativas.

Tecidos mexicanos coloridos e feitos à mão são tecidos no trabalho de Frida Kahlo. Ela abraçou essas roupas como parte de seu legado e as usou em vários autorretratos e fotografias. Os famosos vestidos apresentados em As Duas Fridas simbolizam seus laços com os dois lados de sua herança europeia e mexicana.

Frida à esquerda reflete sua educação em uma família de classe média alta. Seu pai era alemão, e a vida doméstica quando criança continha costumes ocidentais. A renda branca do vestido simboliza o estilo popular na moda europeia. Esta versão ocidentalizada contrasta com o desejo da direita Frida de abraçar sua herança mexicana usando um vestido tradicional. Essas roupas são algo que seu marido Diego Rivera encorajou, especialmente em sua luta para mudar seu país. O vestido mostrava seu orgulho em usar roupas locais e tradicionais do México.

As roupas de Kahlo são um aspecto importante de sua vida e trabalho. Depois que ela contraiu poliomielite quando criança e uma perna ficou mais curta do que a outra, as saias coloridas tornaram-se uma maneira de ela esconder a perna de forma a protegê-la do escrutínio. O guarda-roupa do artista incluía vestidos de tehuana, blusas de huipil, rebozo, cocares florais e joias antigas. Essas peças de roupa para Kahlo são uma ilustração de seu amor, dor e sofrimento, que ela incluiu em seu trabalho.

Cerca de, como o quimono mudou ao longo dos séculos e que papel ela desempenhou na arte e na moda moderna, leia o próximo artigo.